Troubadour-Forum für klassische Vokal- und Instrumentalmusik
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Seit 1968 lebte Scheitzbach in Woltersdorf (bei Berlin). Er war verheiratet und hatte zwei Kinder.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Hans-Joachim_Scheitzbach
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Paul Ladmirault, * 8. 12. 1877 – + 30. 10. 1944, war ein französischer Komponist:
Paul Ladmirault besuchte das Konservatorium von Nantes und gewann hier sechzehnjährig den ersten Preis im Fach Harmonielehre. Im gleichen Jahr wurde in seiner Heimatstadt seine erste Oper Gilles de Retz mit großem Erfolg uraufgeführt.
1909 fand im Le Châtelet unter Leitung von Gabriel Pierné die Uraufführung der sinfonischen Dichtung Brocéliande au Matin statt, die ebenso wie die Suite Bretonne von 1903 auf musikalischem Material aus seiner nie aufgeführten Oper Myrdhin (Merlin) beruht.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Paul_Ladmirault
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Paul Ladmirault, * 8. 12. 1877 – + 30. 10. 1944, war ein französischer Komponist:
Paul Ladmirault besuchte das Konservatorium von Nantes und gewann hier sechzehnjährig den ersten Preis im Fach Harmonielehre. Im gleichen Jahr wurde in seiner Heimatstadt seine erste Oper Gilles de Retz mit großem Erfolg uraufgeführt.
1909 fand im Le Châtelet unter Leitung von Gabriel Pierné die Uraufführung der sinfonischen Dichtung Brocéliande au Matin statt, die ebenso wie die Suite Bretonne von 1903 auf musikalischem Material aus seiner nie aufgeführten Oper Myrdhin (Merlin) beruht.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Paul_Ladmirault
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Hier kommen wir schon zu unserer zweiten, allerdings sehr traurigen besonderen Erinnerung:
Peter Warlock, ein Pseudonym für Philip Arnold Heseltine (* 30. Oktober1894 in London; † 17. Dezember1930 ebenda), war ein englischer Komponist und Musikkritiker. Er verwendete das Pseudonym Peter Warlock als Komponist und seinen Geburtsnamen als Kritiker, ist heute jedoch bekannter als Peter Warlock.
Heseltine schrieb seine ersten reifen Werke, die auch beifällige Kritiken fanden, unter dem neu angenommenen Pseudonym Peter Warlock zwischen 1917 und 1918 in Irland. Es folgte eine Periode der Konzentration auf den Musikjournalismus; eine Zeit lang war er Herausgeber der Musikzeitschrift The Sackbut. Seine schöpferischste Zeit als Komponist lag in den frühen 1920er Jahren, als er in das Haus seiner Mutter in Cefn-Bryntalch in Wales zog, wo er einige seiner besten Lieder schrieb, etwa den Liedzyklus The Curlew auf Gedichte von W. B. Yeats.
…Er litt an schweren Depressionen; ob jedoch sein Tod durch eine Gasvergiftung im Alter von 36 Jahren Selbstmord oder Unfall war, ist nicht geklärt.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Peter_Warlock_(Komponist)
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Hier kommen wir schon zu unserer zweiten, allerdings sehr traurigen besonderen Erinnerung:
Peter Warlock, ein Pseudonym für Philip Arnold Heseltine (* 30. Oktober1894 in London; † 17. Dezember1930 ebenda), war ein englischer Komponist und Musikkritiker. Er verwendete das Pseudonym Peter Warlock als Komponist und seinen Geburtsnamen als Kritiker, ist heute jedoch bekannter als Peter Warlock.
Heseltine schrieb seine ersten reifen Werke, die auch beifällige Kritiken fanden, unter dem neu angenommenen Pseudonym Peter Warlock zwischen 1917 und 1918 in Irland. Es folgte eine Periode der Konzentration auf den Musikjournalismus; eine Zeit lang war er Herausgeber der Musikzeitschrift The Sackbut. Seine schöpferischste Zeit als Komponist lag in den frühen 1920er Jahren, als er in das Haus seiner Mutter in Cefn-Bryntalch in Wales zog, wo er einige seiner besten Lieder schrieb, etwa den Liedzyklus The Curlew auf Gedichte von W. B. Yeats.
…Er litt an schweren Depressionen; ob jedoch sein Tod durch eine Gasvergiftung im Alter von 36 Jahren Selbstmord oder Unfall war, ist nicht geklärt.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Peter_Warlock_(Komponist)
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Frans Brüggen studierte Blockflöte bei Kees Otten (1924–2008) am Konservatorium des Vereins Muzieklyceum („Conservatorium van de Vereniging Muzieklyceum“) in Amsterdam und Querflöte bei Hubert Barwahser und Johan Feltkamp. Als einer der Ersten in den Niederlanden konnte er das Studium mit dem Hauptfach Blockflöte abschließen; zuvor war dieses nicht zugelassen.[2] Brüggen gilt als einer der bedeutenden Blockflötenspieler des 20. Jahrhunderts, der zur Renaissance des Instrumentes beitrug. Mit 21 Jahren wurde er zum Professor am Königlichen Konservatorium in Den Haag ernannt.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Frans_Br%C3%BCggen
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Und hier ist er in einer Aufnahme des Flötenkonzertes c-moll RV 441 von Antonio Vivaldi in einem frühen Konzert von 1966 zu hören, am Pult steht Nikolaus Harnoncourt.
Frans Brüggen studierte Blockflöte bei Kees Otten (1924–2008) am Konservatorium des Vereins Muzieklyceum („Conservatorium van de Vereniging Muzieklyceum“) in Amsterdam und Querflöte bei Hubert Barwahser und Johan Feltkamp. Als einer der Ersten in den Niederlanden konnte er das Studium mit dem Hauptfach Blockflöte abschließen; zuvor war dieses nicht zugelassen.[2] Brüggen gilt als einer der bedeutenden Blockflötenspieler des 20. Jahrhunderts, der zur Renaissance des Instrumentes beitrug. Mit 21 Jahren wurde er zum Professor am Königlichen Konservatorium in Den Haag ernannt.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Frans_Br%C3%BCggen
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Und hier ist er in einer Aufnahme des Flötenkonzertes c-moll RV 441 von Antonio Vivaldi in einem frühen Konzert von 1966 zu hören, am Pult steht Nikolaus Harnoncourt.
Das erste Amt als Organist bekleidete Francisco Correa de Arauxo, Sohn eines Handwerkers, im Alter von 15 Jahren ab September 1599 in der Kirche San Salvador zu Sevilla. Zum Priester wurde er 1608 geweiht. Langjährige Querelen und Schikanen, denen Correa in der dortigen Priesterschaft ausgesetzt war, führten zu erfolglosen Bewerbungen an mehreren spanischen Kathedralen. Erst 1636 konnte er als Organist an die Kathedrale zu Jaén wechseln. Schon wenig später, 1640 verbesserte er sich zum Kathedralorganisten von Segovia, wo er 1654 starb.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Francisco_Correa_de_Arauxo
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Das erste Amt als Organist bekleidete Francisco Correa de Arauxo, Sohn eines Handwerkers, im Alter von 15 Jahren ab September 1599 in der Kirche San Salvador zu Sevilla. Zum Priester wurde er 1608 geweiht. Langjährige Querelen und Schikanen, denen Correa in der dortigen Priesterschaft ausgesetzt war, führten zu erfolglosen Bewerbungen an mehreren spanischen Kathedralen. Erst 1636 konnte er als Organist an die Kathedrale zu Jaén wechseln. Schon wenig später, 1640 verbesserte er sich zum Kathedralorganisten von Segovia, wo er 1654 starb.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Francisco_Correa_de_Arauxo
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Leonardo Leo lernte am Conservatorio della pietà de’ Turchini in Neapel sowie bei Giuseppe Ottavio Pitoni in Rom und lebte dann von 1717 bis zu seinem Tod im Jahr 1744 (nicht 1742 oder 1743, wie Burney und Piccinni angeben) als Kirchenkapellmeister und Direktor des Konservatoriums Sant’Onofrio in seiner Vaterstadt.
Als einer der vorzüglichsten Meister der Neapolitanischen Schule war Leo in allen Gattungen der Komposition ausgezeichnet und gleich groß im Leidenschaftlichen und Erhabenen wie im Naiven, Zarten und Scherzhaften. Den exzellenten Ruf teilte er sich mit seinem Zeitgenossen Francesco Durante. Die Anhängerschaft der beiden teilte sich seinerzeit in zwei rivalisierende Lager auf, den „Leisti“ und den „Durantisti“. Leo schuf mehr als 500 Werke.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Leonardo_Leo
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Leonardo Leo lernte am Conservatorio della pietà de’ Turchini in Neapel sowie bei Giuseppe Ottavio Pitoni in Rom und lebte dann von 1717 bis zu seinem Tod im Jahr 1744 (nicht 1742 oder 1743, wie Burney und Piccinni angeben) als Kirchenkapellmeister und Direktor des Konservatoriums Sant’Onofrio in seiner Vaterstadt.
Als einer der vorzüglichsten Meister der Neapolitanischen Schule war Leo in allen Gattungen der Komposition ausgezeichnet und gleich groß im Leidenschaftlichen und Erhabenen wie im Naiven, Zarten und Scherzhaften. Den exzellenten Ruf teilte er sich mit seinem Zeitgenossen Francesco Durante. Die Anhängerschaft der beiden teilte sich seinerzeit in zwei rivalisierende Lager auf, den „Leisti“ und den „Durantisti“. Leo schuf mehr als 500 Werke.
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Der Sohn eines Bankiers hatte als Kind Klavier- und Violinunterricht. Bei seiner Teilnahme an einem Klavierwettbewerb 1922 wurde er von dessen Leiter Harold Samuel entdeckt, der ihn als Schüler nach London holte. Ab 1924 studierte er am Royal College of Music Komposition bei R. O. Morris und Ralph Vaughan Williams und Dirigieren bei Malcolm Sargent; daneben nahm er weiter privaten Klavierunterricht bei Samuel.
Seit Anfang der 1930er-Jahre verband Ferguson eine Freundschaft mit dem Komponisten Gerald Finzi; ihr Briefwechsel wurde 2001 unter dem Titel Letters of Gerald Finzi and Howard Ferguson veröffentlicht. Es entstand in dieser Zeit eine Reihe kammermusikalischer Werke, darunter die Erste Violinsonate und ein Oktett. Seit Beginn des Zweiten Weltkrieges assistierte er Myra Hess bei der Veranstaltung der National Gallery Concerts, in deren Verlauf nahezu 1700 Programme aufgeführt wurden.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Howard_Ferguson_(Komponist)
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Der Sohn eines Bankiers hatte als Kind Klavier- und Violinunterricht. Bei seiner Teilnahme an einem Klavierwettbewerb 1922 wurde er von dessen Leiter Harold Samuel entdeckt, der ihn als Schüler nach London holte. Ab 1924 studierte er am Royal College of Music Komposition bei R. O. Morris und Ralph Vaughan Williams und Dirigieren bei Malcolm Sargent; daneben nahm er weiter privaten Klavierunterricht bei Samuel.
Seit Anfang der 1930er-Jahre verband Ferguson eine Freundschaft mit dem Komponisten Gerald Finzi; ihr Briefwechsel wurde 2001 unter dem Titel Letters of Gerald Finzi and Howard Ferguson veröffentlicht. Es entstand in dieser Zeit eine Reihe kammermusikalischer Werke, darunter die Erste Violinsonate und ein Oktett. Seit Beginn des Zweiten Weltkrieges assistierte er Myra Hess bei der Veranstaltung der National Gallery Concerts, in deren Verlauf nahezu 1700 Programme aufgeführt wurden.
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William Mathias begann früh mit dem Klavierspiel und ersten Kompositionsversuchen. Nach Studien am University College of Wales in Aberystwyth wechselte er 1956 an die Royal Academy of Music, wo Lennox Berkeley sein Lehrer wurde. 1965 wurde er zum Fellow der Royal Academy ernannt. 1968 erhielt Mathias den Arnold Bax Society Prize, und 1981 wurde er mit dem John Edwards Memorial Award ausgezeichnet. Als Professor für Musik leitete er zwischen 1970 und 1988 das Department of Music der University of Wales in Bangor. Neben seiner kompositorischen Arbeit war er auch als Dirigent und Pianist tätig. 1972 rief er das North Wales International Music Festival in St Asaph ins Leben, dessen Leitung er bis zu seinem Tod 1992 innehatte. Sein Grab befindet sich an der St. Asaph Cathedral.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/William_Mathias
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William Mathias begann früh mit dem Klavierspiel und ersten Kompositionsversuchen. Nach Studien am University College of Wales in Aberystwyth wechselte er 1956 an die Royal Academy of Music, wo Lennox Berkeley sein Lehrer wurde. 1965 wurde er zum Fellow der Royal Academy ernannt. 1968 erhielt Mathias den Arnold Bax Society Prize, und 1981 wurde er mit dem John Edwards Memorial Award ausgezeichnet. Als Professor für Musik leitete er zwischen 1970 und 1988 das Department of Music der University of Wales in Bangor. Neben seiner kompositorischen Arbeit war er auch als Dirigent und Pianist tätig. 1972 rief er das North Wales International Music Festival in St Asaph ins Leben, dessen Leitung er bis zu seinem Tod 1992 innehatte. Sein Grab befindet sich an der St. Asaph Cathedral.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/William_Mathias
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Moyse trat häufig zusammen mit seinem Sohn Louis auf.
Moyse reiste in seinem höheren Lebensalter jedes Jahr mit mehreren Schülern aus den USA in seinen Geburtsort, wo er im Hotel du Commerce wohnte und dort Querflötenunterricht gab.[1] Der Platz vor dem Hotel du Commerce in Saint-Amour trägt heute seinen Namen: Place Marcel Moyse.
https://de.wikipedia.org/wiki/Marcel_Moyse
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Moyse trat häufig zusammen mit seinem Sohn Louis auf.
Moyse reiste in seinem höheren Lebensalter jedes Jahr mit mehreren Schülern aus den USA in seinen Geburtsort, wo er im Hotel du Commerce wohnte und dort Querflötenunterricht gab.[1] Der Platz vor dem Hotel du Commerce in Saint-Amour trägt heute seinen Namen: Place Marcel Moyse. https://de.wikipedia.org/wiki/Marcel_Moyse
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Nachdem Ditters im Alter von sieben Jahren seinen ersten Violinunterricht erhalten hatte, kam er 1751 als Kammerknabe in die Dienste des Prinzen Joseph von Sachsen-Hildburghausen und wirkte als Violinist in dessen Kapelle.[2]
Nach der Auflösung der Kapelle im Jahr 1761 wurde Ditters in das Wiener Hofopernorchester aufgenommen. Christoph Willibald Gluck nahm ihn 1763 mit auf eine Italienreise, wo Ditters als Violinvirtuose große Erfolge feierte.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Carl_Ditters_von_Dittersdorf
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Nachdem Ditters im Alter von sieben Jahren seinen ersten Violinunterricht erhalten hatte, kam er 1751 als Kammerknabe in die Dienste des Prinzen Joseph von Sachsen-Hildburghausen und wirkte als Violinist in dessen Kapelle.[2]
Felicitas Kukuck wurde als Tochter der Sängerin (Altistin) Eva Cohnheim, geb. Barth (1882–?)[1], und des Arztes und Physiologen Otto Cohnheim (1873–1953) in Hamburg geboren. Die Eltern änderten den gemeinsamen Familiennamen 1916 in Kestner.[2] Die Eltern förderten die künstlerische Entwicklung ihrer Tochter von Kindheit an und ermöglichten ihr den Besuch von Schulen, in denen Musik einen hohen Stellenwert besaß. Bis 1933 besuchte sie die reformpädagogisch orientierte Lichtwarkschule. Die nationalsozialistische Machtübernahme bedeutete einen tiefen Einschnitt in ihrem Leben; erst jetzt erfuhr sie von ihren jüdischen Vorfahren. Nach der Gleichschaltung der Lichtwarkschule durch die Nationalsozialisten wechselte sie zu Martin Luserkes „Schule am Meer“ auf Juist, wo sie von Eduard Zuckmayer gefördert wurde und von der stark musischen Ausrichtung des Landschulheims profitierte.[3][4] Ihr Abitur machte sie 1935 an der Odenwaldschule. Zu ihren Lehrern gehörten neben Zuckmayer (Musik) auch Edith Weiss-Mann (Klavier) und Robert Müller-Hartmann (Harmonielehre).
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Felicitas_Kukuck
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Felicitas Kukuck wurde als Tochter der Sängerin (Altistin) Eva Cohnheim, geb. Barth (1882–?)[1], und des Arztes und Physiologen Otto Cohnheim (1873–1953) in Hamburg geboren. Die Eltern änderten den gemeinsamen Familiennamen 1916 in Kestner.[2] Die Eltern förderten die künstlerische Entwicklung ihrer Tochter von Kindheit an und ermöglichten ihr den Besuch von Schulen, in denen Musik einen hohen Stellenwert besaß. Bis 1933 besuchte sie die reformpädagogisch orientierte Lichtwarkschule. Die nationalsozialistische Machtübernahme bedeutete einen tiefen Einschnitt in ihrem Leben; erst jetzt erfuhr sie von ihren jüdischen Vorfahren. Nach der Gleichschaltung der Lichtwarkschule durch die Nationalsozialisten wechselte sie zu Martin Luserkes „Schule am Meer“ auf Juist, wo sie von Eduard Zuckmayer gefördert wurde und von der stark musischen Ausrichtung des Landschulheims profitierte.[3][4] Ihr Abitur machte sie 1935 an der Odenwaldschule. Zu ihren Lehrern gehörten neben Zuckmayer (Musik) auch Edith Weiss-Mann (Klavier) und Robert Müller-Hartmann (Harmonielehre).
Ab heute werde ich eines runden Geburtstages oder Todestages gedenken, auch wenn das genaue Datum nicht gekannt ist, wie anhand des nachfolgenden Komponisten deutlich ist:
Adam Gumpelzhaimer (auch: Gumpeltzhaimer; * 1559 in Trostberg; † 3. November1625 in Augsburg) war ein deutscher Komponist, Musiklehrer und -theoretiker.
Gumpelzhaimer wurde von seinem Großvater Michael zunächst nach Oettingen, dann ins Benediktinerkloster Sankt Ulrich und Afra Augsburg geschickt, wo er erste musikalische Unterweisung durch Jodocus Entzenmüller, den Vater des in den oberösterreichischen und niederösterreichischen Landen erfolgreichen Joachim Enzmilner, den späteren Freiherrn bzw. Grafen von Windhag, und wahrscheinlich auch durch den Chorleiter Johannes Treer erfuhr. 1581 wurde er Kantor und Praeceptor am Gymnasium bei St. Anna. Diese Anstellung behielt er bis an sein Lebensende. 1582 schrieb sich Gumpelzhaimer an der Universität Ingolstadt ein; wo und wann er seine Magisterwürde erwarb, ist unbekannt. Aus der 1585 mit Barbara Wismüller geschlossenen Ehe gingen keine Kinder hervor. 1590 erlangten beide das Augsburger Bürgerrecht.
1596 organisierte Gumpelzhaimer den Schulchor bei St. Anna neu. 1606 lehnte er ein Angebot ab, das ihn zum Hofkomponisten und Kapellmeister der Württemberger Hofkapelle machen sollte. Im Laufe der Jahre wurden Gumpelzhaimer mehrere Gehaltserhöhungen gewährt. Dennoch geriet er gegen Lebensende in finanzielle Schwierigkeiten. Von 1617 bis 1621 litt er an einer schweren Krankheit. Das Paar Gumpelzhaimer starb einige Jahre später an der Pest.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Adam_Gumpelzhaimer
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Er wurde irgendwann in diesem Jahr vor 465 Jahren geboren, und heute in einem Jahr werden wir an seinen 400. Todestag erinnern (wenn nichts dazwischenkommt).
Liebe Grüße
Willi😀
November 2024:
Ab heute werde ich eines runden Geburtstages oder Todestages gedenken, auch wenn das genaue Datum nicht gekannt ist, wie anhand des nachfolgenden Komponisten deutlich ist:
Adam Gumpelzhaimer (auch: Gumpeltzhaimer; * 1559 in Trostberg; † 3. November1625 in Augsburg) war ein deutscher Komponist, Musiklehrer und -theoretiker.
Gumpelzhaimer wurde von seinem Großvater Michael zunächst nach Oettingen, dann ins Benediktinerkloster Sankt Ulrich und Afra Augsburg geschickt, wo er erste musikalische Unterweisung durch Jodocus Entzenmüller, den Vater des in den oberösterreichischen und niederösterreichischen Landen erfolgreichen Joachim Enzmilner, den späteren Freiherrn bzw. Grafen von Windhag, und wahrscheinlich auch durch den Chorleiter Johannes Treer erfuhr. 1581 wurde er Kantor und Praeceptor am Gymnasium bei St. Anna. Diese Anstellung behielt er bis an sein Lebensende. 1582 schrieb sich Gumpelzhaimer an der Universität Ingolstadt ein; wo und wann er seine Magisterwürde erwarb, ist unbekannt. Aus der 1585 mit Barbara Wismüller geschlossenen Ehe gingen keine Kinder hervor. 1590 erlangten beide das Augsburger Bürgerrecht.
1596 organisierte Gumpelzhaimer den Schulchor bei St. Anna neu. 1606 lehnte er ein Angebot ab, das ihn zum Hofkomponisten und Kapellmeister der Württemberger Hofkapelle machen sollte. Im Laufe der Jahre wurden Gumpelzhaimer mehrere Gehaltserhöhungen gewährt. Dennoch geriet er gegen Lebensende in finanzielle Schwierigkeiten. Von 1617 bis 1621 litt er an einer schweren Krankheit. Das Paar Gumpelzhaimer starb einige Jahre später an der Pest.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Adam_Gumpelzhaimer
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Er wurde irgendwann in diesem Jahr vor 465 Jahren geboren, und heute in einem Jahr werden wir an seinen 400. Todestag erinnern (wenn nichts dazwischenkommt).
Gabriel Fauré, jüngstes von sechs Kindern[2] eines Schulleiters, wuchs unweit von Carcassonne am Fuß der Pyrenäen auf. Wie viele Zeitgenossen wurde er zunächst zu einer Amme gegeben, später von einem Hauslehrer unterrichtet und kam dann auf ein Internat.[2] Er konnte schon früh ein Harmonium spielen, das in einer in der Nähe gelegenen Kapelle stand. Mit acht Jahren spielte er bereits ausgezeichnet Klavier. 1854 wurde der Neunjährige an Louis Niedermeyers Pariser Schule für Kirchenmusik aufgenommen. Nach dem Tod des Schweizer Komponisten nahm sich ab 1861 der zehn Jahre ältere Camille Saint-Saëns des jungen Fauré an; sie blieben zeitlebens befreundet. Am Deutsch-Französischen Krieg 1870/1871 war Fauré als Kurier eines Infanterie-Regiments beteiligt. Heimgekehrt, zählte er 1871 zu den Gründungsmitgliedern der Société Nationale de Musique.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Gabriel_Faur%C3%A9
Das berühmte Requiem in zwei verschiedenen Interpretationen:
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Gabriel Fauré, jüngstes von sechs Kindern[2] eines Schulleiters, wuchs unweit von Carcassonne am Fuß der Pyrenäen auf. Wie viele Zeitgenossen wurde er zunächst zu einer Amme gegeben, später von einem Hauslehrer unterrichtet und kam dann auf ein Internat.[2] Er konnte schon früh ein Harmonium spielen, das in einer in der Nähe gelegenen Kapelle stand. Mit acht Jahren spielte er bereits ausgezeichnet Klavier. 1854 wurde der Neunjährige an Louis Niedermeyers Pariser Schule für Kirchenmusik aufgenommen. Nach dem Tod des Schweizer Komponisten nahm sich ab 1861 der zehn Jahre ältere Camille Saint-Saëns des jungen Fauré an; sie blieben zeitlebens befreundet. Am Deutsch-Französischen Krieg 1870/1871 war Fauré als Kurier eines Infanterie-Regiments beteiligt. Heimgekehrt, zählte er 1871 zu den Gründungsmitgliedern der Société Nationale de Musique.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Gabriel_Faur%C3%A9
Das berühmte Requiem in zwei verschiedenen Interpretationen:
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Als Sohn eines Industriellen Henri Serpette (1821–1887) und seiner Frau Amélie Thomas (1823–1893) studierte Serpette zuerst Rechtswissenschaften. 1868 begann er jedoch am Conservatoire de Paris Musik zu Studieren. Bis 1871 war er in der Kompositionsklasse von Ambroise Thomas und belegte bei Jules Duprato Harmonielehre. Im selben Jahr gewann er den Prix de Rome mit der Kantate Jeanne d’Arc, zu dem Jules Barbier das Libretto schrieb. Die Kantate wurde ebenfalls im gleichen Jahr an der Opéra de Paris uraufgeführt.
Serpette wandte sich aber unmittelbar, schon während seines Aufenthalts in Rom, von der ernsten Musik ab und komponierte seine erste Operette La Branche cassée. Diese Operette wurde 1874, nachdem Adolphe Jaime und Jules Noriac die Libretti geschrieben hatten, im Théâtre des Bouffes-Parisiens uraufgeführt. Dieser Wechsel zur leichten Muse wurde in Fachkreisen mit Unverständnis betrachtet.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Gaston_Serpette
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Als Sohn eines Industriellen Henri Serpette (1821–1887) und seiner Frau Amélie Thomas (1823–1893) studierte Serpette zuerst Rechtswissenschaften. 1868 begann er jedoch am Conservatoire de Paris Musik zu Studieren. Bis 1871 war er in der Kompositionsklasse von Ambroise Thomas und belegte bei Jules Duprato Harmonielehre. Im selben Jahr gewann er den Prix de Rome mit der Kantate Jeanne d’Arc, zu dem Jules Barbier das Libretto schrieb. Die Kantate wurde ebenfalls im gleichen Jahr an der Opéra de Paris uraufgeführt.
Serpette wandte sich aber unmittelbar, schon während seines Aufenthalts in Rom, von der ernsten Musik ab und komponierte seine erste Operette La Branche cassée. Diese Operette wurde 1874, nachdem Adolphe Jaime und Jules Noriac die Libretti geschrieben hatten, im Théâtre des Bouffes-Parisiens uraufgeführt. Dieser Wechsel zur leichten Muse wurde in Fachkreisen mit Unverständnis betrachtet.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Gaston_Serpette
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Charles Tournemire absolvierte in Paris seine musikalischen Studien bei César Franck (Orgel und Kontrapunkt), Charles-Marie Widor (Orgel), Vincent d’Indy (Komposition) und A. Toudou (Harmonielehre). Seit 1898 hatte er die Organistenstelle an der Pariser Kirche Ste-Clotilde inne; seine dortigen Amtsvorgänger waren die bekannten Organisten César Franck und Gabriel Pierné gewesen. 1919 wurde Tournemire Professor für Kammermusik am Conservatoire de Paris.
Zu seinen Lebzeiten gründete sich Tournemires Ruf vor allem auf seine Qualitäten als hervorragender Orgelspieler und -improvisator. Heute ist er vor allem durch seine acht Orchestersymphonien im Gedächtnis geblieben, hinzu kommt sein umfangreiches Werk L’Orgue Mystique (op. 55–57). Hier handelt es sich um einen Kompositionszyklus, der für jeden Sonntag im Jahreskreis fünf an die katholische Liturgie gebundene Stücke enthält, die von den entsprechenden gregorianischen Melodielinien inspiriert sind und mit flexibler Agogik interpretiert werden müssen. Aufgrund der engen Bindung an die Liturgie werden sie kaum in Konzerten gespielt. Bemerkenswert ist auch der Symphonie-Choral op. 69 für Orgel, der monothematisch angelegt ist und eine sehr komplexe, teilweise polytonale Tonsprache aufweist. Dieses Werk sowie die Symphonie sacrée zeugen von dem tief empfundenen mystischen Katholizismus Tournemires.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Charles_Tournemire
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Charles Tournemire absolvierte in Paris seine musikalischen Studien bei César Franck (Orgel und Kontrapunkt), Charles-Marie Widor (Orgel), Vincent d’Indy (Komposition) und A. Toudou (Harmonielehre). Seit 1898 hatte er die Organistenstelle an der Pariser Kirche Ste-Clotilde inne; seine dortigen Amtsvorgänger waren die bekannten Organisten César Franck und Gabriel Pierné gewesen. 1919 wurde Tournemire Professor für Kammermusik am Conservatoire de Paris.
Zu seinen Lebzeiten gründete sich Tournemires Ruf vor allem auf seine Qualitäten als hervorragender Orgelspieler und -improvisator. Heute ist er vor allem durch seine acht Orchestersymphonien im Gedächtnis geblieben, hinzu kommt sein umfangreiches Werk L’Orgue Mystique (op. 55–57). Hier handelt es sich um einen Kompositionszyklus, der für jeden Sonntag im Jahreskreis fünf an die katholische Liturgie gebundene Stücke enthält, die von den entsprechenden gregorianischen Melodielinien inspiriert sind und mit flexibler Agogik interpretiert werden müssen. Aufgrund der engen Bindung an die Liturgie werden sie kaum in Konzerten gespielt. Bemerkenswert ist auch der Symphonie-Choral op. 69 für Orgel, der monothematisch angelegt ist und eine sehr komplexe, teilweise polytonale Tonsprache aufweist. Dieses Werk sowie die Symphonie sacrée zeugen von dem tief empfundenen mystischen Katholizismus Tournemires.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Charles_Tournemire
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Vladimir Horowitz wurde am 1. Oktober 1903[3][4] – nicht 1904, wie seit 1925 verbreitet, und was schon 1983 von seinem Biografen Glenn Plaskin (* 1953) bezweifelt worden ist – im Schtetl von Berditschew in dem damals zum russischen Zarenreich gehörenden Teil der Ukraine als Sohn eines Elektroingenieurs geboren. Andere Quellen nennen Kiew als Geburtsort.[2] Seine Geburtsurkunde (siehe englische Version des Artikels) nennt eindeutig Kyiv (Ukr. Schreibweise) als seinen Geburtsort. Er stammte aus einer assimilierten jüdischen Familie. Ersten Klavierunterricht erhielt er mit sechs Jahren von seiner Mutter, einer Amateurpianistin. Noch während seiner Schulzeit studierte er am Kiewer Konservatorium Klavier und Komposition bei Wladimir Puchalski, Sergej Tarnowsky und vor allem bei Felix Blumenfeld. Vom Spiel des 11-jährigen Horowitz beeindruckt, empfahl Alexander Skrjabin den Eltern seine Förderung. Um die durch den Ersten Weltkrieg und die Oktoberrevolution verarmte Familie zu unterstützen, tourte Horowitz ab 1921 ohne sonderlichen Erfolg als Pianist durch Russland, obwohl er eigentlich Komponist werden wollte.
Weiteres in dem umfangreichen Artikel kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Vladimir_Horowitz
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Vladimir Horowitz wurde am 1. Oktober 1903[3][4] – nicht 1904, wie seit 1925 verbreitet, und was schon 1983 von seinem Biografen Glenn Plaskin (* 1953) bezweifelt worden ist – im Schtetl von Berditschew in dem damals zum russischen Zarenreich gehörenden Teil der Ukraine als Sohn eines Elektroingenieurs geboren. Andere Quellen nennen Kiew als Geburtsort.[2] Seine Geburtsurkunde (siehe englische Version des Artikels) nennt eindeutig Kyiv (Ukr. Schreibweise) als seinen Geburtsort. Er stammte aus einer assimilierten jüdischen Familie. Ersten Klavierunterricht erhielt er mit sechs Jahren von seiner Mutter, einer Amateurpianistin. Noch während seiner Schulzeit studierte er am Kiewer Konservatorium Klavier und Komposition bei Wladimir Puchalski, Sergej Tarnowsky und vor allem bei Felix Blumenfeld. Vom Spiel des 11-jährigen Horowitz beeindruckt, empfahl Alexander Skrjabin den Eltern seine Förderung. Um die durch den Ersten Weltkrieg und die Oktoberrevolution verarmte Familie zu unterstützen, tourte Horowitz ab 1921 ohne sonderlichen Erfolg als Pianist durch Russland, obwohl er eigentlich Komponist werden wollte.
Weiteres in dem umfangreichen Artikel kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Vladimir_Horowitz
Jablonski hatte ab dem sechsten Lebensjahr Unterricht am Krakauer Konservatorium. 1949 kam er mit seiner Familie nach Kanada, wo er Schüler von Gladys Egbert war und die Sommerkurse des Banff Centre for the Arts besuchte. 1957 erhielt er ein Dimitri-Mitropoulos-Stipendium und studierte an der Aspen School in Denver, Colorado und bei Rosina Lhevinne an der Juilliard School of Music in New York.
Jablonski hatte ab dem sechsten Lebensjahr Unterricht am Krakauer Konservatorium. 1949 kam er mit seiner Familie nach Kanada, wo er Schüler von Gladys Egbert war und die Sommerkurse des Banff Centre for the Arts besuchte. 1957 erhielt er ein Dimitri-Mitropoulos-Stipendium und studierte an der Aspen School in Denver, Colorado und bei Rosina Lhevinne an der Juilliard School of Music in New York.
In den 1990er Jahren wurde Tozer ein Ziel der Presse, nachdem bekanntgeworden war, dass er zwei weitere künstlerische Stipendien in Höhe von insgesamt 500.000 AUS-$ von einer Stiftung des damaligen australischen Premierministers Paul Keating erhalten hatte. Tozer selbst hatte Keating zu der Stiftung inspiriert, da er zu den Klavierstunden, die er dessen Sohn gab, aufgrund seines Jahreseinkommens von nur 9.000 AUS-$ mit dem Fahrrad fahren musste. Durch das Stipendium konnte Tozer Reisen nach London finanzieren, nachdem er 1991 einen Vertrag mit dem Label Chandos Records geschlossen hatte.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Geoffrey_Tozer
In den 1990er Jahren wurde Tozer ein Ziel der Presse, nachdem bekanntgeworden war, dass er zwei weitere künstlerische Stipendien in Höhe von insgesamt 500.000 AUS-$ von einer Stiftung des damaligen australischen Premierministers Paul Keating erhalten hatte. Tozer selbst hatte Keating zu der Stiftung inspiriert, da er zu den Klavierstunden, die er dessen Sohn gab, aufgrund seines Jahreseinkommens von nur 9.000 AUS-$ mit dem Fahrrad fahren musste. Durch das Stipendium konnte Tozer Reisen nach London finanzieren, nachdem er 1991 einen Vertrag mit dem Label Chandos Records geschlossen hatte.
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Seine bekanntesten Werke sind die Märsche Semper Fidelis (1888), The Washington Post (1889), The Liberty Bell (1893) und The Stars and Stripes Forever (1896).[1] Dem „König der Marschmusik“ ist zudem das Sousaphon gewidmet, das 1893 auf seine Anregung hin entwickelt wurde und zum Dank seinen Namen erhielt.[2]
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/John_Philip_Sousa
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An der Universität Leipzig immatrikulierte er sich 1818 in einem Theologiestudium, das er allerdings nicht zu Ende brachte. Von 1818 bis 1820 war er 2. Geiger und Bratscher im Leipziger Theaterorchester (Gewandhausorchester). 1821 war er Stipendiat der preußischen Regierung in Wien (Unterricht bei Antonio Salieri) und München (Unterricht bei Peter von Winter). 1823 verschlug es ihn als Musiklehrer nach Berlin. 1824/25 unternahm er eine Studienreise nach Italien, Frankreich und Belgien.
Weiteres kann masn hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Carl_Gottlieb_Rei%C3%9Figer
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An der Universität Leipzig immatrikulierte er sich 1818 in einem Theologiestudium, das er allerdings nicht zu Ende brachte. Von 1818 bis 1820 war er 2. Geiger und Bratscher im Leipziger Theaterorchester (Gewandhausorchester). 1821 war er Stipendiat der preußischen Regierung in Wien (Unterricht bei Antonio Salieri) und München (Unterricht bei Peter von Winter). 1823 verschlug es ihn als Musiklehrer nach Berlin. 1824/25 unternahm er eine Studienreise nach Italien, Frankreich und Belgien.
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Barretts Kompositionen sind vielfach zu Werkreihen gruppiert und beziehen sich auf außermusikalische Einflüsse, namentlich die Schriftsteller Samuel Beckett und Paul Celan oder den chilenischen Maler Roberto Matta. Barretts Kompositionstechnik benutzt häufig höhere Mathematik, weshalb er beim Komponieren oft auf die Hilfe eines Computers zurückgreift (Warnaby 2001).
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Richard_Barrett_(Komponist)
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Barretts Kompositionen sind vielfach zu Werkreihen gruppiert und beziehen sich auf außermusikalische Einflüsse, namentlich die Schriftsteller Samuel Beckett und Paul Celan oder den chilenischen Maler Roberto Matta. Barretts Kompositionstechnik benutzt häufig höhere Mathematik, weshalb er beim Komponieren oft auf die Hilfe eines Computers zurückgreift (Warnaby 2001).
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Ljapunow erhielt seinen ersten Klavierunterricht von seiner Mutter. Nach dem Tod seines Vaters Michail Wassiljewitsch Ljapunow zog seine Mutter im Jahre 1870 mit ihm und seinem älteren Bruder, dem späteren Mathematiker Alexander Ljapunow, nach Nischni Nowgorod. Dort nahm er seit 1874 an Kursen der Russischen Musikgesellschaft teil. Vier Jahre später begann er, am Moskauer Konservatorium Klavier (u. a. bei Karl Klindworth), Kontrapunkt und Komposition (bei Sergei Tanejew) zu studieren. Nachdem er 1883 seine Studien abgeschlossen hatte, zog er zwei Jahre später nach Sankt Petersburg, wo er Kontakt zum „mächtigen Häuflein“ schloss. 1894–1902 leitete Ljapunow mit Mili Balakirew die Hofsängerkapelle. Er wurde 1905 Lehrer an der von Balakirew gegründeten Musik-Freischule und leitete sie 1908–1910. Ab 1910 war er Professor für Klavier, ab 1917 auch für Komposition am Sankt Petersburger Konservatorium. Er beendete 1918 seine Lehrtätigkeit und wirkte eine Zeitlang an der Kaiserlichen Kunstakademie in Petersburg. Im Jahre 1923 emigrierte er aus der neugegründeten Sowjetunion nach Paris, wo er noch eine Musikschule gründete. Er starb kurz vor seinem 65. Geburtstag.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Sergei_Michailowitsch_Ljapunow
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Ljapunow erhielt seinen ersten Klavierunterricht von seiner Mutter. Nach dem Tod seines Vaters Michail Wassiljewitsch Ljapunow zog seine Mutter im Jahre 1870 mit ihm und seinem älteren Bruder, dem späteren Mathematiker Alexander Ljapunow, nach Nischni Nowgorod. Dort nahm er seit 1874 an Kursen der Russischen Musikgesellschaft teil. Vier Jahre später begann er, am Moskauer Konservatorium Klavier (u. a. bei Karl Klindworth), Kontrapunkt und Komposition (bei Sergei Tanejew) zu studieren. Nachdem er 1883 seine Studien abgeschlossen hatte, zog er zwei Jahre später nach Sankt Petersburg, wo er Kontakt zum „mächtigen Häuflein“ schloss. 1894–1902 leitete Ljapunow mit Mili Balakirew die Hofsängerkapelle. Er wurde 1905 Lehrer an der von Balakirew gegründeten Musik-Freischule und leitete sie 1908–1910. Ab 1910 war er Professor für Klavier, ab 1917 auch für Komposition am Sankt Petersburger Konservatorium. Er beendete 1918 seine Lehrtätigkeit und wirkte eine Zeitlang an der Kaiserlichen Kunstakademie in Petersburg. Im Jahre 1923 emigrierte er aus der neugegründeten Sowjetunion nach Paris, wo er noch eine Musikschule gründete. Er starb kurz vor seinem 65. Geburtstag.
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Alberto Erede studierte zunächst in Genua Klavier und Violoncello, anschließend in MailandKomposition. Bei Felix Weingartner in Basel ließ er sich im Dirigieren ausbilden und praktizierte als Assistent bei Fritz Busch in Dresden. 1930 wurde ihm die Leitung des Orchesters Accademia di Santa Cecilia in Rom übertragen. 1934 bat ihn Busch ihm beim Glyndebourne Festival zu unterstützen. Dies wiederholte sich jährlich, in seinen letzten beiden Jahren, 1938 und 1939, übernahm er selbst die Verantwortung bei Die Hochzeit des Figaro und Don Giovanni. Seine erste Festanstellung führte ihn 1934 nach Salzburg, wo er auch einen Beitrag zu den Salzburger Festspielen lieferte. Für die darauffolgende Spielzeit engagierte ihn das Turiner Orchester, mit dem er WagnersDer Ring des Nibelungen gab. Nach dieser Saison kehrte er 1935 nach Salzburg zurück, weil das im Aufbau befindliche multinationale Opernensemble um die AltistinHerta Glaz namens „Salzburg Opera Guild“, das speziell auf USA-Tourneen ausgerichtet war, einen Dirigenten suchte. Diese Aufgabe übte Erede von 1935 bis 1938 aus. Sie gewährte ihm ausreichend Zeit, um Gastspiele abzuhalten, zum Beispiel seine Dirigenten-Debüts 1937 beim New YorkerNBC Symphony Orchestra und 1938 an der Mailänder Scala.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Alberto_Erede
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Lohmann studierte in Detmold und Paris bei Michael Schneider und Gaston Litaize. Von 1958 bis 1960 wirkte er an der Christuskirche in Wolfsburg, von 1961 bis 1971 an der Christuskirche in Düsseldorf. Anschließend wurde er als Kirchenmusikdirektor an die Kirche zum Heilsbronnen in Berlin berufen.[1] Er konzertierte im In- und Ausland. Seine Interpretationen wurden durch Rundfunk- und Fernsehaufnahmen dokumentiert. Er komponierte Werke für Chor, Orgel sowie Kammermusik und Lieder.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Heinz_Lohmann_(Musiker)
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Der deutsch-brasilianische[1] Geiger Nicolas Koeckert, aus einer bekannten Musikerfamilie stammend,[1] erhielt im Alter von 5 Jahren bereits seine erste Geige von seinem Großvater Rudolf Koeckert. Sein akademisches Studium begann er mit 16 Jahren an der Hochschule für Musik Würzburg bei Grigori Zhislin. Nicolas studierte ab 1998 an der Musikhochschule Köln bei Zakhar Bron.[1] Seither tritt er regelmäßig als Solist auf. Sein künstlerisches Diplom legte er 2005 in Köln mit Auszeichnung ab. Er beendete sein Studium 2007 mit dem Konzertexamen.
Im Jahre 2001 erhielt er den 1. Preis bei dem International Competition for Young Violinists Novosibirsk, den Spezialpreis für die beste Interpretation des Pflichtstückes und den Kulturpreis der Stadt Nowosibirsk.[1] Danach, im Jahre 2002 war Nicolas Koeckert der erste deutsche Geiger, der Preisträger bei dem weltberühmten „International Tchaikovsky Competition“ in Moskau wurde.[1] Noch im selben Jahr zeichnete ihn der Freistaat Bayern mit dem Kunstförderpreis aus. 2003 wurde er erneut Preisträger bei dem Montreal International Musical Competition. Im selben Jahr gewann Nicolas außerdem den 2. Preis beim „Montreal International Musical Competition“ in St. Petersburg.[1]
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Nicolas_Koeckert
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Der deutsch-brasilianische[1] Geiger Nicolas Koeckert, aus einer bekannten Musikerfamilie stammend,[1] erhielt im Alter von 5 Jahren bereits seine erste Geige von seinem Großvater Rudolf Koeckert. Sein akademisches Studium begann er mit 16 Jahren an der Hochschule für Musik Würzburg bei Grigori Zhislin. Nicolas studierte ab 1998 an der Musikhochschule Köln bei Zakhar Bron.[1] Seither tritt er regelmäßig als Solist auf. Sein künstlerisches Diplom legte er 2005 in Köln mit Auszeichnung ab. Er beendete sein Studium 2007 mit dem Konzertexamen.
Im Jahre 2001 erhielt er den 1. Preis bei dem International Competition for Young Violinists Novosibirsk, den Spezialpreis für die beste Interpretation des Pflichtstückes und den Kulturpreis der Stadt Nowosibirsk.[1] Danach, im Jahre 2002 war Nicolas Koeckert der erste deutsche Geiger, der Preisträger bei dem weltberühmten „International Tchaikovsky Competition“ in Moskau wurde.[1] Noch im selben Jahr zeichnete ihn der Freistaat Bayern mit dem Kunstförderpreis aus. 2003 wurde er erneut Preisträger bei dem Montreal International Musical Competition. Im selben Jahr gewann Nicolas außerdem den 2. Preis beim „Montreal International Musical Competition“ in St. Petersburg.[1]
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Nicolas_Koeckert
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Johann Christian Schieferdecker wurde als Sohn des in Zeitz gebürtigen Kantors und späteren Weißenfelser Hoforganisten Christian Schieferdecker († 1711)[1] in Teuchern geboren. Sein Onkel war der unweit in Weißenfels geborene Theologe und Kirchenlieddichter Johann David Schieferdecker. Nach dem Besuch der LeipzigerThomasschule von 1692 bis 1697 studierte er an der Leipziger Universität, wo zwei seiner Opern aufgeführt wurden.
Sein Freund Reinhard Keiser, der ebenfalls aus Teuchern stammte, holte ihn 1702 als Cembalist an das Hamburger Opernhaus am Gänsemarkt, wo er mit Georg Bronner und Johann Mattheson zusammenarbeitete und u. a. die Oper Der Königliche Printz Regnerus (1702) revidierte, die schon 1701 in Weißenfels aufgeführt worden war. Zwei Jahre später wurde er zunächst Schüler, dann Assistent bei Dieterich Buxtehude an der Lübecker Marienkirche. Als Buxtehude im Mai 1707 starb, wurde Schieferdecker am 23. Juni 1707[2] sein Nachfolger.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Johann_Christian_Schieferdecker
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Johann Christian Schieferdecker wurde als Sohn des in Zeitz gebürtigen Kantors und späteren Weißenfelser Hoforganisten Christian Schieferdecker († 1711)[1] in Teuchern geboren. Sein Onkel war der unweit in Weißenfels geborene Theologe und Kirchenlieddichter Johann David Schieferdecker. Nach dem Besuch der LeipzigerThomasschule von 1692 bis 1697 studierte er an der Leipziger Universität, wo zwei seiner Opern aufgeführt wurden.
Schytte studierte zuerst in Kopenhagen bei Niels Wilhelm Gade und Edmund Neupert. 1884 ging er nach Weimar, wo er bei Franz Liszt studierte. Von 1886 bis 1907 lebte er in Wien, von da an bis zu seinem Tode in Berlin. Er schrieb zahlreiche kleinere Klavierstücke, die heute als Salonstücke bezeichnet werden, eine Klaviersonate und einige Bühnenwerke. Gemeinsam mit Moriz Rosenthal gab er eine Klavierschule heraus.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Ludvig_Schytte
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