Troubadour-Forum für klassische Vokal- und Instrumentalmusik
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Bernhard Sekles (geboren als Bernhard Seckeles20. Juni1872[1] (abweichende Angabe: 20. März 1872[Anm. 1]) in Frankfurt am Main; gestorben 8. Dezember1934 ebenda) war ein deutscher Komponist, Dirigent, Pianist und Musikpädagoge
Bernhard Sekles wurde als Sohn Maximilian Seckeles und Anna (geb. Bischheim) am 20. Juni 1872 geboren. Der Name wurde später auf Bernhard Sekles geändert. Nach privater Unterweisung bei dem Komponisten Wilhelm Hill studierte Sekles ab 1888 am Hoch’schen Konservatorium in Frankfurt am Main bei Engelbert Humperdinck (Instrumentation), Iwan Knorr (Komposition) und Lazzaro Uzielli (Klavier). Nach dem Studienabschluss wurde er Kapellmeister an den Theatern in Heidelberg (1893/94) und Mainz (1895/96). 1896 kehrte er als Lehrer ans Hoch’sche Konservatorium zurück, wo er zunächst Musiktheorie unterrichtete und ab 1906 auch Komposition. 1924 wurde er Direktor des Konservatoriums, das unter seiner Leitung durch die Einrichtung neuer Fächer bedeutend erweitert wurde (neu hinzu kamen: Dirigentenklasse, Opernschule, Privatmusiklehrer-Seminar, Institut für Kirchenmusik, Kurse für musikalische Früherziehung und Erwachsenenbildung).[ Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Bernhard_Sekles
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Bernhard Sekles (geboren als Bernhard Seckeles20. Juni1872[1] (abweichende Angabe: 20. März 1872[Anm. 1]) in Frankfurt am Main; gestorben 8. Dezember1934 ebenda) war ein deutscher Komponist, Dirigent, Pianist und Musikpädagoge
Bernhard Sekles wurde als Sohn Maximilian Seckeles und Anna (geb. Bischheim) am 20. Juni 1872 geboren. Der Name wurde später auf Bernhard Sekles geändert. Nach privater Unterweisung bei dem Komponisten Wilhelm Hill studierte Sekles ab 1888 am Hoch’schen Konservatorium in Frankfurt am Main bei Engelbert Humperdinck (Instrumentation), Iwan Knorr (Komposition) und Lazzaro Uzielli (Klavier). Nach dem Studienabschluss wurde er Kapellmeister an den Theatern in Heidelberg (1893/94) und Mainz (1895/96). 1896 kehrte er als Lehrer ans Hoch’sche Konservatorium zurück, wo er zunächst Musiktheorie unterrichtete und ab 1906 auch Komposition. 1924 wurde er Direktor des Konservatoriums, das unter seiner Leitung durch die Einrichtung neuer Fächer bedeutend erweitert wurde (neu hinzu kamen: Dirigentenklasse, Opernschule, Privatmusiklehrer-Seminar, Institut für Kirchenmusik, Kurse für musikalische Früherziehung und Erwachsenenbildung).[ Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Bernhard_Sekles
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Knut Nystedt wuchs in einem christlich geprägten Elternhaus auf, in dem Kirchenlieder und klassische Musik einen wichtigen Teil des Alltags ausmachten. Er studierte Komposition bei Bjarne Brustad in Norwegen und bei Aaron Copland in den USA, Orgel bei Arild Sandvold und Ernest White sowie Dirigieren bei Øivin Fjeldstad. Nysted war von 1946 bis 1981 Organist an der Torshov-Kirche in Oslo und von 1964 bis 1985 Dozent für Chorleitung an der Universität Oslo. Er gründete Det Norske Solistkor, den er von 1950 bis 1990 leitete, sowie die Schola Cantorum, die er von 1964 bis 1985 leitete. Nystedt war Lehrer von Carl Høgset, der später den Chor Grex vocalis etablierte und viele von Nystedts Werken aufführt.
Weitere kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Knut_Nystedt
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Knut Nystedt wuchs in einem christlich geprägten Elternhaus auf, in dem Kirchenlieder und klassische Musik einen wichtigen Teil des Alltags ausmachten. Er studierte Komposition bei Bjarne Brustad in Norwegen und bei Aaron Copland in den USA, Orgel bei Arild Sandvold und Ernest White sowie Dirigieren bei Øivin Fjeldstad. Nysted war von 1946 bis 1981 Organist an der Torshov-Kirche in Oslo und von 1964 bis 1985 Dozent für Chorleitung an der Universität Oslo. Er gründete Det Norske Solistkor, den er von 1950 bis 1990 leitete, sowie die Schola Cantorum, die er von 1964 bis 1985 leitete. Nystedt war Lehrer von Carl Høgset, der später den Chor Grex vocalis etablierte und viele von Nystedts Werken aufführt.
Weitere kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Knut_Nystedt
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Weinberg kam als Sohn eines Musikers schon früh mit Musik in Berührung und begann bereits 1931 Klavier am Konservatorium der Musikakademie Warschau zu studieren. Beim deutschen Überfall auf Polen 1939 brach er sofort seine Studien ab und musste wegen seiner jüdischen Herkunft über Minsk und Taschkent nach Moskau flüchten, – seine Familie, die aus Kischinjow stammte, von wo aus sie 1903 wegen der dortigen Pogrome nach Polen geflohen war, wurde im Holocaust ermordet. Weinberg wurde in der Sowjetunion Moissei Samuilowitsch Wainberg genannt.
Zunächst ließ Weinberg sich in Minsk nieder und studierte dort Komposition bei Wassili Solotarjow.[2] Wenige Tage, nachdem er 1941 seine Studien abgeschlossen hatte, musste er vor dem deutschen Angriff auf die Sowjetunion fliehen und reiste nach Taschkent, wo er an der Oper arbeitete. Dort heiratete er 1942 Natalja Wowsi-Michoels, Tochter des Schauspielers und Regisseurs Solomon Michoels.[2] 1943 schickte Weinberg seine erste Sinfonie an Dmitri Schostakowitsch, der ihn daraufhin nach Moskau einlud. Noch im selben Jahr ließ sich Weinberg dort nieder und lebte bis zu seinem Tode in der russischen Hauptstadt als freischaffender Komponist.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Mieczys%C5%82aw_Weinberg
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Weinberg kam als Sohn eines Musikers schon früh mit Musik in Berührung und begann bereits 1931 Klavier am Konservatorium der Musikakademie Warschau zu studieren. Beim deutschen Überfall auf Polen 1939 brach er sofort seine Studien ab und musste wegen seiner jüdischen Herkunft über Minsk und Taschkent nach Moskau flüchten, – seine Familie, die aus Kischinjow stammte, von wo aus sie 1903 wegen der dortigen Pogrome nach Polen geflohen war, wurde im Holocaust ermordet. Weinberg wurde in der Sowjetunion Moissei Samuilowitsch Wainberg genannt.
Zunächst ließ Weinberg sich in Minsk nieder und studierte dort Komposition bei Wassili Solotarjow.[2] Wenige Tage, nachdem er 1941 seine Studien abgeschlossen hatte, musste er vor dem deutschen Angriff auf die Sowjetunion fliehen und reiste nach Taschkent, wo er an der Oper arbeitete. Dort heiratete er 1942 Natalja Wowsi-Michoels, Tochter des Schauspielers und Regisseurs Solomon Michoels.[2] 1943 schickte Weinberg seine erste Sinfonie an Dmitri Schostakowitsch, der ihn daraufhin nach Moskau einlud. Noch im selben Jahr ließ sich Weinberg dort nieder und lebte bis zu seinem Tode in der russischen Hauptstadt als freischaffender Komponist.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Mieczys%C5%82aw_Weinberg
Julian Rachlin wurde 1974 in eine Wilnaer Musikerfamilie jüdischer Abstammung geboren, die 1978 nach Österreich emigrierte. Ab 1983 studierte er Violine am Konservatorium Wien in der russischen bzw. sowjetischen Tradition bei Boris Kuschnir und erhielt daneben Privatunterricht bei Pinchas Zukerman. Weiters studierte er Dirigieren bei seiner Mutter Sophie Rachlin, bei Mariss Jansons und Daniele Gatti.
Julian Rachlin wurde 1974 in eine Wilnaer Musikerfamilie jüdischer Abstammung geboren, die 1978 nach Österreich emigrierte. Ab 1983 studierte er Violine am Konservatorium Wien in der russischen bzw. sowjetischen Tradition bei Boris Kuschnir und erhielt daneben Privatunterricht bei Pinchas Zukerman. Weiters studierte er Dirigieren bei seiner Mutter Sophie Rachlin, bei Mariss Jansons und Daniele Gatti.
Sir James Galway, OBE (* 8. Dezember1939 in Belfast, Nordirland) gilt als einer der bedeutendsten klassischen Flötisten des späten 20. und frühen 21. Jahrhunderts. Als einer der ersten Flötisten wagte er eine Solokarriere ohne Bindung an ein Orchester und wurde damit erfolgreich. Galway ist berühmt für seine außergewöhnliche Virtuosität und sein ausdrucksstarkes Spiel mit unverwechselbarem Klang. Sein Beiname The Man with the Golden Flute („der Mann mit der goldenen Flöte“) stammt aus der Zeit seiner frühen Solokarriere, als Goldflöten noch sehr selten waren.
Bereits mit zwölf Jahren gewann Galway die ersten musikalischen Preise. Nach einer kurzen Zeit als Klavierstimmer ermöglichte es ihm ein Stipendium, am Royal College of Music zu studieren. Weitere Studienaufenthalte an der Londoner Guildhall School und am Pariser Konservatorium folgten; privat nahm er Unterricht bei Marcel Moyse in Marlboro (Vermont). James Galways Flötenton ist durch den sogenannten „deutschen Ansatz“ geprägt, der im Vergleich zum französischen Ansatz einen höheren Rauschanteil aufweist.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/James_Galway
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Sir James Galway, OBE (* 8. Dezember1939 in Belfast, Nordirland) gilt als einer der bedeutendsten klassischen Flötisten des späten 20. und frühen 21. Jahrhunderts. Als einer der ersten Flötisten wagte er eine Solokarriere ohne Bindung an ein Orchester und wurde damit erfolgreich. Galway ist berühmt für seine außergewöhnliche Virtuosität und sein ausdrucksstarkes Spiel mit unverwechselbarem Klang. Sein Beiname The Man with the Golden Flute („der Mann mit der goldenen Flöte“) stammt aus der Zeit seiner frühen Solokarriere, als Goldflöten noch sehr selten waren.
Bereits mit zwölf Jahren gewann Galway die ersten musikalischen Preise. Nach einer kurzen Zeit als Klavierstimmer ermöglichte es ihm ein Stipendium, am Royal College of Music zu studieren. Weitere Studienaufenthalte an der Londoner Guildhall School und am Pariser Konservatorium folgten; privat nahm er Unterricht bei Marcel Moyse in Marlboro (Vermont). James Galways Flötenton ist durch den sogenannten „deutschen Ansatz“ geprägt, der im Vergleich zum französischen Ansatz einen höheren Rauschanteil aufweist.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/James_Galway
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Ab 2009 leitete er eine Orgelklasse an der Musikhochschule Leipzig, bis er 2013 als Nachfolger von Gerre Hanrock auf die Professur für Orgel und Kirchenmusik an die University of Texas at Austin (USA) berufen wurde. Dort wurde er 2015 zum Dean‘s Fellow ernannt und außerdem mit dem Ducloux Fellowship des College of Fine Arts ausgezeichnet.[2] Seit 2016 ist Maierhofer Professor für Orgel an der Musikhochschule Freiburg. Zudem wurde er zum Domorganisten des Freiburger Münsters ernannt und ist künstlerischer Leiter der Internationalen Orgelkonzerte im Freiburger Münster.[2] Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Matthias_Maierhofer#cite_note-:1-2
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Ab 2009 leitete er eine Orgelklasse an der Musikhochschule Leipzig, bis er 2013 als Nachfolger von Gerre Hanrock auf die Professur für Orgel und Kirchenmusik an die University of Texas at Austin (USA) berufen wurde. Dort wurde er 2015 zum Dean‘s Fellow ernannt und außerdem mit dem Ducloux Fellowship des College of Fine Arts ausgezeichnet.[2] Seit 2016 ist Maierhofer Professor für Orgel an der Musikhochschule Freiburg. Zudem wurde er zum Domorganisten des Freiburger Münsters ernannt und ist künstlerischer Leiter der Internationalen Orgelkonzerte im Freiburger Münster.[2] Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Matthias_Maierhofer#cite_note-:1-2
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Costanzo Antegnati war Spross der verzweigten italienischen Orgelbauerfamilie Antegnati. Diese beginnt mit dem Stammvater Giovanni Antegnati, der im 15. Jahrhundert lebte und in Brescia als „Dottore di Collegio“ bekannt war. Dessen Sohn war der Firmengründer Bartolomeo Antegnati († 1501 in Brescia, Urgroßvater von Costanzo), gefolgt von Giovanni Battista Antegnati (um 1490 – vor 1560, Großvater von Constanzo) und Graziadio Antegnati dem Älteren (1525–1590, Vater von Costanzo). Der Familienname leitet sich möglicherweise von der kleinen Stadt Antegnate bei Cremona her.
Costanzo Antegnati gilt als der bedeutendste Vertreter der Familie; er bekam seine musikalische Ausbildung bei Girolamo Cavazzoni und war ab dem Jahr 1570 Orgelbau-Mitarbeiter seines Vaters Graziadio. Er veröffentlichte ab 1571 Madrigale, Messen, Motetten und andere Werke. 1584 wurde er zum Domorganisten von Brescia ernannt. Für seinen jüngsten Sohn Giovanni Francesco Antegnati (1587–1630) verfasste er das Lehrwerk L’Arte organico (erschienen Venedig 1608) – eine wichtige Abhandlung für die Geschichte des Orgelbaus, die in der Form eines Dialogs zwischen Vater und Sohn gehalten ist. Sein Sohn Giovanni Francesco wurde bald darauf sein Mitarbeiter.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Costanzo_Antegnati
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Costanzo Antegnati war Spross der verzweigten italienischen Orgelbauerfamilie Antegnati. Diese beginnt mit dem Stammvater Giovanni Antegnati, der im 15. Jahrhundert lebte und in Brescia als „Dottore di Collegio“ bekannt war. Dessen Sohn war der Firmengründer Bartolomeo Antegnati († 1501 in Brescia, Urgroßvater von Costanzo), gefolgt von Giovanni Battista Antegnati (um 1490 – vor 1560, Großvater von Constanzo) und Graziadio Antegnati dem Älteren (1525–1590, Vater von Costanzo). Der Familienname leitet sich möglicherweise von der kleinen Stadt Antegnate bei Cremona her.
Costanzo Antegnati gilt als der bedeutendste Vertreter der Familie; er bekam seine musikalische Ausbildung bei Girolamo Cavazzoni und war ab dem Jahr 1570 Orgelbau-Mitarbeiter seines Vaters Graziadio. Er veröffentlichte ab 1571 Madrigale, Messen, Motetten und andere Werke. 1584 wurde er zum Domorganisten von Brescia ernannt. Für seinen jüngsten Sohn Giovanni Francesco Antegnati (1587–1630) verfasste er das Lehrwerk L’Arte organico (erschienen Venedig 1608) – eine wichtige Abhandlung für die Geschichte des Orgelbaus, die in der Form eines Dialogs zwischen Vater und Sohn gehalten ist. Sein Sohn Giovanni Francesco wurde bald darauf sein Mitarbeiter.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Costanzo_Antegnati
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Destouches war ein Sohn des bayerischen Hofkammerrats Joseph des Touches und seiner Ehefrau Sabina. Seine musikalische Ausbildung erhielt er bei Theodor Grünberger und Joseph Haydn. Er spielte Cello im Orchester des Fürsten Esterházy und unternahm als Klavierspieler Konzertreisen nach Österreich und in die Schweiz. 1791 schrieb er die Oper Die Thomasnacht, zu der sein älterer Bruder Joseph Anton das Libretto beisteuerte.
Destouches war ein Sohn des bayerischen Hofkammerrats Joseph des Touches und seiner Ehefrau Sabina. Seine musikalische Ausbildung erhielt er bei Theodor Grünberger und Joseph Haydn. Er spielte Cello im Orchester des Fürsten Esterházy und unternahm als Klavierspieler Konzertreisen nach Österreich und in die Schweiz. 1791 schrieb er die Oper Die Thomasnacht, zu der sein älterer Bruder Joseph Anton das Libretto beisteuerte.
Der Sohn des Luckaer Stadtmusikus Christian Gottlieb Pölcke spielte zunächst Waldhorn, bevor er zwölfjährig zur Posaune wechselte, um eine freie Stelle in der Stadtkapelle vertretungsweise zu besetzen. 1811 wurde er Schüler des Stadtmusikers Sachse in Altenburg und später dessen Nachfolger, als dieser in den Krieg ziehen musste. 1815 trat er im Leipziger Gewandhaus als Soloposaunist u. a. mit einem Concertino für Bassposaune und Orchester von Carl Heinrich Meyer auf und war damit wohl der erste Posaunensolist, der in einem deutschen Konzertsaal zu hören war.
Sein Auftritt machte solchen Eindruck, dass ihn das Gewandhausorchester als Bassposaunist engagierte. Er unternahm Konzertreisen nach Merseburg, Halle und Dessau und wurde 1816 als königlicher Kammermusikus in Berlin verpflichtet. Auf Einladung von Carl Maria von Weber trat er 1817 bei einem Hofkonzert in Dresden auf, lehnte aber ein Engagement im Dresdener Hoforchester ab. In den folgenden Jahren wuchs sein Ruf als Posaunenvirtuose, er unternahm Konzertreisen durch Dänemark, Schweden, Holland, Frankreich und Österreich und erhielt 1844 die Goldmedaille des Pariser Konservatoriums.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Friedrich_August_Belcke
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Der Sohn des Luckaer Stadtmusikus Christian Gottlieb Pölcke spielte zunächst Waldhorn, bevor er zwölfjährig zur Posaune wechselte, um eine freie Stelle in der Stadtkapelle vertretungsweise zu besetzen. 1811 wurde er Schüler des Stadtmusikers Sachse in Altenburg und später dessen Nachfolger, als dieser in den Krieg ziehen musste. 1815 trat er im Leipziger Gewandhaus als Soloposaunist u. a. mit einem Concertino für Bassposaune und Orchester von Carl Heinrich Meyer auf und war damit wohl der erste Posaunensolist, der in einem deutschen Konzertsaal zu hören war.
Sein Auftritt machte solchen Eindruck, dass ihn das Gewandhausorchester als Bassposaunist engagierte. Er unternahm Konzertreisen nach Merseburg, Halle und Dessau und wurde 1816 als königlicher Kammermusikus in Berlin verpflichtet. Auf Einladung von Carl Maria von Weber trat er 1817 bei einem Hofkonzert in Dresden auf, lehnte aber ein Engagement im Dresdener Hoforchester ab. In den folgenden Jahren wuchs sein Ruf als Posaunenvirtuose, er unternahm Konzertreisen durch Dänemark, Schweden, Holland, Frankreich und Österreich und erhielt 1844 die Goldmedaille des Pariser Konservatoriums.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Friedrich_August_Belcke
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Erich Pizka besuchte die Volks- und Hauptschule in Linz und begann danach eine Lehre als Maschinenschlosser. Neben seiner Lehre nahm er zunächst in Linz bei Josef Wich Horn-Unterricht, daneben hatte er mehrere Jahre Unterricht in Violine und wurde während seiner Schlosserlehre Mitglied des Linzer Konzertvereines als Geiger. Sein Hornlehrer Wich war ein Schüler von Josef Schantl.
Nach der Lehre war Pizka Militärmusiker als Hornist. Seine erste Stelle als Solohornist trat er 1939 im Orchester des Linzer Landestheaters (jetzt Bruckner Orchester Linz) an, konnte diese jedoch nur kurze Zeit ausüben, da er zum Kriegsdienst einberufen wurde. Während des Krieges war er die meiste Zeit in Metz stationiert, wo er Mitglied eines Luftwaffenorchester war und im Symphonieorchester Metz sowie als Aushilfe im Saarbrücker Theater spielte.
Nach dem Krieg kehrte er wieder auf seine Stelle nach Linz zurück. Zudem hatte Pizka einen Lehrauftrag am Anton Bruckner Konservatorium Linz. Auch komponierte und arrangierte er in dieser Zeit Stücke für Hornensemble.
1969 zog sich Pizka aus dem Orchester zurück, behielt seinen Lehrauftrag am Konservatorium jedoch bis 1980.
Erich Pizka besuchte die Volks- und Hauptschule in Linz und begann danach eine Lehre als Maschinenschlosser. Neben seiner Lehre nahm er zunächst in Linz bei Josef Wich Horn-Unterricht, daneben hatte er mehrere Jahre Unterricht in Violine und wurde während seiner Schlosserlehre Mitglied des Linzer Konzertvereines als Geiger. Sein Hornlehrer Wich war ein Schüler von Josef Schantl.
Nach der Lehre war Pizka Militärmusiker als Hornist. Seine erste Stelle als Solohornist trat er 1939 im Orchester des Linzer Landestheaters (jetzt Bruckner Orchester Linz) an, konnte diese jedoch nur kurze Zeit ausüben, da er zum Kriegsdienst einberufen wurde. Während des Krieges war er die meiste Zeit in Metz stationiert, wo er Mitglied eines Luftwaffenorchester war und im Symphonieorchester Metz sowie als Aushilfe im Saarbrücker Theater spielte.
Nach dem Krieg kehrte er wieder auf seine Stelle nach Linz zurück. Zudem hatte Pizka einen Lehrauftrag am Anton Bruckner Konservatorium Linz. Auch komponierte und arrangierte er in dieser Zeit Stücke für Hornensemble.
1969 zog sich Pizka aus dem Orchester zurück, behielt seinen Lehrauftrag am Konservatorium jedoch bis 1980.
Alma Mahler-Werfel (geborene Alma Margaretha Maria Schindler, * 31. August1879[1] in Wien; † 11. Dezember1964 in New York, N.Y.) war eine österreichische Persönlichkeit der Musik-, Kunst- und Literaturszene in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Ihre musikalische Begabung baute sie nicht professionell aus.[2] Von ihrem kompositorischen Schaffen sind mehrere Lieder überliefert.
Die Ehefrau des Komponisten und Dirigenten Gustav Mahler und, nach Mahlers Tod, des Architekten Walter Gropius und danach des Dichters Franz Werfel hatte in ihrer Jugend persönlichen Umgang mit den Secessionisten, dem Maler Gustav Klimt und mit dem Komponisten (ihrem Lehrer) Alexander von Zemlinsky. Zeitweise lebte sie in einer Beziehung mit dem Maler Oskar Kokoschka. Als Gastgeberin künstlerischer Salons versammelte sie in Wien, dann – nach der Flucht aus Europa – 1940 in Los Angeles und New York Künstler und Prominente um sich.
Alma Mahlers große Begabung war die Musik, die sie in ihrer Jugend am Klavier und komponierend intensiv ausübte. Obwohl die Musikwissenschaftlerin Susanne Rode-Breymann in den Tagebuch-Suiten fast fünfzig Klavierlieder nachweisen kann, komponiert zwischen 1898 und 1902,[3] wurden bis heute davon nur siebzehn Lieder bekannt.[4] Auch die weiteren darin aufscheinenden Kompositionen anderer Gattungen[5] sind bis heute verschollen. Rode-Breymann beschreibt zwei entscheidende „Bruchlinien“ in der „Professionalisierung“ von Almas musikalischen Talenten. Zum einen wollte sie nach jahrelangem erfolgreichen Klavierunterricht bei Adele Radnitzky-Mandlick ihr Können beim renommierten Pianisten Julius Epstein vervollkommnen, was aber durch ihren Stiefvater Carl Moll verhindert wurde.
Weiteres kann hier gelesen werden: https://de.wikipedia.org/wiki/Alma_Mahler-Werfel
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Alma Mahler-Werfel (geborene Alma Margaretha Maria Schindler, * 31. August1879[1] in Wien; † 11. Dezember1964 in New York, N.Y.) war eine österreichische Persönlichkeit der Musik-, Kunst- und Literaturszene in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Ihre musikalische Begabung baute sie nicht professionell aus.[2] Von ihrem kompositorischen Schaffen sind mehrere Lieder überliefert.
Die Ehefrau des Komponisten und Dirigenten Gustav Mahler und, nach Mahlers Tod, des Architekten Walter Gropius und danach des Dichters Franz Werfel hatte in ihrer Jugend persönlichen Umgang mit den Secessionisten, dem Maler Gustav Klimt und mit dem Komponisten (ihrem Lehrer) Alexander von Zemlinsky. Zeitweise lebte sie in einer Beziehung mit dem Maler Oskar Kokoschka. Als Gastgeberin künstlerischer Salons versammelte sie in Wien, dann – nach der Flucht aus Europa – 1940 in Los Angeles und New York Künstler und Prominente um sich.
Alma Mahlers große Begabung war die Musik, die sie in ihrer Jugend am Klavier und komponierend intensiv ausübte. Obwohl die Musikwissenschaftlerin Susanne Rode-Breymann in den Tagebuch-Suiten fast fünfzig Klavierlieder nachweisen kann, komponiert zwischen 1898 und 1902,[3] wurden bis heute davon nur siebzehn Lieder bekannt.[4] Auch die weiteren darin aufscheinenden Kompositionen anderer Gattungen[5] sind bis heute verschollen. Rode-Breymann beschreibt zwei entscheidende „Bruchlinien“ in der „Professionalisierung“ von Almas musikalischen Talenten. Zum einen wollte sie nach jahrelangem erfolgreichen Klavierunterricht bei Adele Radnitzky-Mandlick ihr Können beim renommierten Pianisten Julius Epstein vervollkommnen, was aber durch ihren Stiefvater Carl Moll verhindert wurde.
Weiteres kann hier gelesen werden: https://de.wikipedia.org/wiki/Alma_Mahler-Werfel
Heute erfolgt die Gratulation für den Pianisten Jean Muller (* 11. 12. 1979) in einer etwas anderen Form:
1979
Geboren in Luxembourg (Stadt). Seine außergewöhnliche Musikalität wird früh erkannt und gefördert.
1985
Ab dem sechsten Lebensjahr Grundausbildung in der Klasse von Marie-José Hengesch am Konservatorium von Luxembourg.
1986
Konzertdebüt mit einer Chopin-Sonate sowie der Uraufführung eines Werks seines luxembourgischen Landsmanns Alexander Mullenbach.
1995
Studienjahr in Riga an der Academy of Music bei Teofils Bikis, sowie in Brüssel, Paris und München, u.a. bei Evgeny Moguilevsky, Gerhard Oppitz, Eugen Indjic und Michael Schäfer.
1999
Preisträger bei der von der European Broadcast Union (EBU) im Auftrag der Unesco organisierten „Tribune Internationale des Jeunes Interprètes (TIJI). Konzerteinladungen zu Festivals und Orchestern.
2004 Erster Preis beim „Concours Poulenc“ in Limoges. Insgesamt hat Jean Muller rund ein Dutzend internationale Preise bei Wettbewerben erhalten.
Weiteres kann man hier lesen: http://www.klassik-heute.de/4daction/www_interpret?id=26242
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Er beginnt sein „Eigen-Ständchen“ mit dem Opus Ultimum.
Heute ist sein 45. Geburtstag.
Liebe Grüße
Willi😀
Dezember 2024, Fortsetzung:
Heute erfolgt die Gratulation für den Pianisten Jean Muller (* 11. 12. 1979) in einer etwas anderen Form:
1979
Geboren in Luxembourg (Stadt). Seine außergewöhnliche Musikalität wird früh erkannt und gefördert.
1985
Ab dem sechsten Lebensjahr Grundausbildung in der Klasse von Marie-José Hengesch am Konservatorium von Luxembourg.
1986
Konzertdebüt mit einer Chopin-Sonate sowie der Uraufführung eines Werks seines luxembourgischen Landsmanns Alexander Mullenbach.
1995
Studienjahr in Riga an der Academy of Music bei Teofils Bikis, sowie in Brüssel, Paris und München, u.a. bei Evgeny Moguilevsky, Gerhard Oppitz, Eugen Indjic und Michael Schäfer.
1999
Preisträger bei der von der European Broadcast Union (EBU) im Auftrag der Unesco organisierten „Tribune Internationale des Jeunes Interprètes (TIJI). Konzerteinladungen zu Festivals und Orchestern.
Marcelle Soulage wurde als Tochter französischer Eltern in Lima, Peru, geboren. Ihr Vater war Bergwerksingeniuer und wurde zum Professor für mineralogische Chemie am Instituto de Ingenieros in Minas del Perú ernannt. Die Familie kehrte nach Paris zurück, als Marcelle viereinhalb Jahre alt war. Marcelle Soulage studierte unter anderem bei Nadia Boulanger am Pariser Konservatorium. 1912 erhielt sie einen zweiten Preis im Fach Harmonielehre in der Klasse von Henri Dallier, 1913 einen ersten Preis für Klavierbegleitung in der Klasse von Abel-César Estyle, 1915 einen ersten Preis im Fach Kontrapunkt in der Klasse von Georges Caussade, 1916 einen ersten Preis im Fach Musikgeschichte und eine Belobigung im Fach Fuge bei Paul Vidal.[1]
Von 1921 bis 1925 wirkte Marcelle Soulage als Klavier- und Musiktheorielehrerin am Conservatoire von Orléans. Von 1949 bis 1965 wirkte sie als Lehrerin für Musiktheorie und Solfège am Pariser Konservatorium.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Marcelle_Soulage
Marcelle Soulage wurde als Tochter französischer Eltern in Lima, Peru, geboren. Ihr Vater war Bergwerksingeniuer und wurde zum Professor für mineralogische Chemie am Instituto de Ingenieros in Minas del Perú ernannt. Die Familie kehrte nach Paris zurück, als Marcelle viereinhalb Jahre alt war. Marcelle Soulage studierte unter anderem bei Nadia Boulanger am Pariser Konservatorium. 1912 erhielt sie einen zweiten Preis im Fach Harmonielehre in der Klasse von Henri Dallier, 1913 einen ersten Preis für Klavierbegleitung in der Klasse von Abel-César Estyle, 1915 einen ersten Preis im Fach Kontrapunkt in der Klasse von Georges Caussade, 1916 einen ersten Preis im Fach Musikgeschichte und eine Belobigung im Fach Fuge bei Paul Vidal.[1]
Von 1921 bis 1925 wirkte Marcelle Soulage als Klavier- und Musiktheorielehrerin am Conservatoire von Orléans. Von 1949 bis 1965 wirkte sie als Lehrerin für Musiktheorie und Solfège am Pariser Konservatorium.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Marcelle_Soulage
Lárus Halldór Grímsson, + 13. 12. 1954, ist ein isländischer Komponist und Musiker. Er ist vor allem für seine elektronischen Kompositionen mit traditionellen Instrumenten bekannt, aber seit 1990 schreibt er mehr nicht-elektronische Werke. Er hat einen Großteil seiner Musik für Theater und Fernsehen komponiert.
Weiteres kann man hier in englischer Sprache3 lesen: https://en.wikipedia.org/wiki/L%C3%A1rus_Halld%C3%B3r_Gr%C3%ADmsson
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Lárus Halldór Grímsson, + 13. 12. 1954, ist ein isländischer Komponist und Musiker. Er ist vor allem für seine elektronischen Kompositionen mit traditionellen Instrumenten bekannt, aber seit 1990 schreibt er mehr nicht-elektronische Werke. Er hat einen Großteil seiner Musik für Theater und Fernsehen komponiert.
Weiteres kann man hier in englischer Sprache3 lesen: https://en.wikipedia.org/wiki/L%C3%A1rus_Halld%C3%B3r_Gr%C3%ADmsson
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Nachdem sein Vater 1800 gestorben war, begann Kreutzer seine musikalische Karriere. Er hatte bereits während seiner Schulzeit neben Klavier und Orgel auch Klarinette, Oboe und Violine zu spielen gelernt und wurde auch durch Unterricht in Gesang und Musiktheorie gefördert. Bereits in seiner Freiburger Zeit komponierte er eine kleine einaktige Oper mit dem Titel Die lächerliche Werbung, die er dort dann 1801 auch zusammen mit Studienkollegen aufführte.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Conradin_Kreutzer
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Nachdem sein Vater 1800 gestorben war, begann Kreutzer seine musikalische Karriere. Er hatte bereits während seiner Schulzeit neben Klavier und Orgel auch Klarinette, Oboe und Violine zu spielen gelernt und wurde auch durch Unterricht in Gesang und Musiktheorie gefördert. Bereits in seiner Freiburger Zeit komponierte er eine kleine einaktige Oper mit dem Titel Die lächerliche Werbung, die er dort dann 1801 auch zusammen mit Studienkollegen aufführte.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Conradin_Kreutzer
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Maria Szymanowska war das siebte von insgesamt zehn Kindern von Franciszek Wołowski, der aus einer jüdischen Familie stammend zum katholischen Glauben übergetreten war und einen polnischen Namen angenommen hatte, und der aus einer adligen Familie kommenden Barbara Lanckorońska. Marias Familie, obwohl keine Musikerfamilie, hatte in Warschau Kontakt zur intellektuellen und künstlerischen Elite der Stadt, die Kinder erhielten Klavierunterricht und eine fundierte Ausbildung.
Józef Elsner unterrichtete Maria Szymanowska zusammen mit Antoni Lisowski und Tomasz Grem in Klavier und Komposition. 1809 wurde sie in die Pariser Gesellschaft eingeführt und trat dort als Pianistin in privaten Kreisen auf. Ihre ersten öffentlichen Konzerte gab sie 1810 in Warschau und in Paris.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Maria_Szymanowska
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Maria Szymanowska war das siebte von insgesamt zehn Kindern von Franciszek Wołowski, der aus einer jüdischen Familie stammend zum katholischen Glauben übergetreten war und einen polnischen Namen angenommen hatte, und der aus einer adligen Familie kommenden Barbara Lanckorońska. Marias Familie, obwohl keine Musikerfamilie, hatte in Warschau Kontakt zur intellektuellen und künstlerischen Elite der Stadt, die Kinder erhielten Klavierunterricht und eine fundierte Ausbildung.
Józef Elsner unterrichtete Maria Szymanowska zusammen mit Antoni Lisowski und Tomasz Grem in Klavier und Komposition. 1809 wurde sie in die Pariser Gesellschaft eingeführt und trat dort als Pianistin in privaten Kreisen auf. Ihre ersten öffentlichen Konzerte gab sie 1810 in Warschau und in Paris.
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Sgambati stammte aus bürgerlichen Verhältnissen, sein Vater war Rechtsanwalt in Rom, seine Mutter die Tochter des englischen Bildhauers Joseph Gott (1786–1860). Er erhielt bereits früh ersten Klavierunterricht und trat schon im Alter von sechs Jahren öffentlich auf. Nach dem Tod des Vaters im Jahre 1849 setzte er seine Ausbildung in Trevi fort. 1860 kehrte er in seine Geburtsstadt zurück und trat als Pianist öffentlich auf. Als kurz darauf Liszt nach Rom kam, geriet Sgambati unter seinen Einfluss und wurde sein Schüler. Er begann nun, die sinfonische Musik, besonders die Werke Beethovens, aber auch diejenigen Liszts, in Rom bekannt zu machen. 1869 folgte er seinem Lehrer nach Deutschland. Hier traf er Anton Rubinstein und lernte auch die Musik Wagners kennen und schätzen.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Giovanni_Sgambati
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Sgambati stammte aus bürgerlichen Verhältnissen, sein Vater war Rechtsanwalt in Rom, seine Mutter die Tochter des englischen Bildhauers Joseph Gott (1786–1860). Er erhielt bereits früh ersten Klavierunterricht und trat schon im Alter von sechs Jahren öffentlich auf. Nach dem Tod des Vaters im Jahre 1849 setzte er seine Ausbildung in Trevi fort. 1860 kehrte er in seine Geburtsstadt zurück und trat als Pianist öffentlich auf. Als kurz darauf Liszt nach Rom kam, geriet Sgambati unter seinen Einfluss und wurde sein Schüler. Er begann nun, die sinfonische Musik, besonders die Werke Beethovens, aber auch diejenigen Liszts, in Rom bekannt zu machen. 1869 folgte er seinem Lehrer nach Deutschland. Hier traf er Anton Rubinstein und lernte auch die Musik Wagners kennen und schätzen.
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Francisco Tárrega stammte aus einer musikalischen Familie. Seinen ersten Gitarrenunterricht erhielt er als Achtjähriger. Da zu dieser Zeit das Klavier die Gitarre mehr und mehr verdrängte, empfahl ihm sein Vater, das Klavierspiel zu erlernen, so dass Tárrega bereits in jungen Jahren beide Instrumente weitgehend beherrschte. Angeblich wurde Tárrega 1862 Schüler des berühmten Gitarristen Julián Arcas (1832–1882).[1]
1869 erwarb Tárrega bei dem spanischen Gitarrenbauer Antonio de Torres (1817–1892) eine Gitarre, die sich von den bisherigen Instrumenten deutlich unterschied. Diese Gitarre war ungewöhnlich laut und klangvoll und sollte für Tárregas weiteres Gitarristenleben entscheidend sein.
1885 zog Tárrega mit seiner Frau María Josefa Rizo und dem Sohn Francisco nach Barcelona. Dort traf er auf die nationalspanischen Komponisten Isaac Albéniz (1860–1909) und Enrique Granados (1867–1916). Mit ihnen schloss er Freundschaft und bearbeitete als Erster viele der Werke von Albéniz für die Gitarre.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Francisco_T%C3%A1rrega
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Francisco Tárrega stammte aus einer musikalischen Familie. Seinen ersten Gitarrenunterricht erhielt er als Achtjähriger. Da zu dieser Zeit das Klavier die Gitarre mehr und mehr verdrängte, empfahl ihm sein Vater, das Klavierspiel zu erlernen, so dass Tárrega bereits in jungen Jahren beide Instrumente weitgehend beherrschte. Angeblich wurde Tárrega 1862 Schüler des berühmten Gitarristen Julián Arcas (1832–1882).[1]
1869 erwarb Tárrega bei dem spanischen Gitarrenbauer Antonio de Torres (1817–1892) eine Gitarre, die sich von den bisherigen Instrumenten deutlich unterschied. Diese Gitarre war ungewöhnlich laut und klangvoll und sollte für Tárregas weiteres Gitarristenleben entscheidend sein.
1885 zog Tárrega mit seiner Frau María Josefa Rizo und dem Sohn Francisco nach Barcelona. Dort traf er auf die nationalspanischen Komponisten Isaac Albéniz (1860–1909) und Enrique Granados (1867–1916). Mit ihnen schloss er Freundschaft und bearbeitete als Erster viele der Werke von Albéniz für die Gitarre.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Francisco_T%C3%A1rrega
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Zajc besuchte zunächst in Rijeka die Musikschule, ehe er in den Jahren 1850 bis 1855 ein Studium am Konservatorium in Mailand absolvierte. Nach dem Tod seiner Eltern kehrte Zajc 1855 zurück in seine Heimatstadt, in der er eine Stelle als Dirigent und Konzertmeister annahm, am dortigen philharmonischen Institut Saiteninstrumente unterrichtete und eine Anzahl Kompositionen in den für ihn typischen Tempi schrieb. Nachdem Zajc 1860 mit seiner Oper Amelia ossia Il Bandito einen großen Erfolg verbuchen konnte, entschloss er sich 1862, nach Wien zu gehen, wo zu dieser Zeit eine blühende Theater- und Opern-Landschaft existierte. Dort wurde er sehr beliebt wegen seiner OperettenMannschaft an Bord (1863), Der Junge auf dem Boot (1863) und Die Hexe von Boisy (1866).‘
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Ivan_Zajc
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Zajc besuchte zunächst in Rijeka die Musikschule, ehe er in den Jahren 1850 bis 1855 ein Studium am Konservatorium in Mailand absolvierte. Nach dem Tod seiner Eltern kehrte Zajc 1855 zurück in seine Heimatstadt, in der er eine Stelle als Dirigent und Konzertmeister annahm, am dortigen philharmonischen Institut Saiteninstrumente unterrichtete und eine Anzahl Kompositionen in den für ihn typischen Tempi schrieb. Nachdem Zajc 1860 mit seiner Oper Amelia ossia Il Bandito einen großen Erfolg verbuchen konnte, entschloss er sich 1862, nach Wien zu gehen, wo zu dieser Zeit eine blühende Theater- und Opern-Landschaft existierte. Dort wurde er sehr beliebt wegen seiner OperettenMannschaft an Bord (1863), Der Junge auf dem Boot (1863) und Die Hexe von Boisy (1866).‘
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Ivan_Zajc
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Nachdem Hill nach Neuseeland zurückgekehrt war, arbeitete er dort als Violinlehrer und Kammermusiker sowie als Dirigent verschiedener Chöre und Orchester. Seit 1897 lebte er wieder in Australien, wo er einige Jahre als Musiklehrer beschäftigt war.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Alfred_Hill
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Nachdem Hill nach Neuseeland zurückgekehrt war, arbeitete er dort als Violinlehrer und Kammermusiker sowie als Dirigent verschiedener Chöre und Orchester. Seit 1897 lebte er wieder in Australien, wo er einige Jahre als Musiklehrer beschäftigt war.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Alfred_Hill
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Die von Mustafazadə entwickelte musikalische Stilrichtung ist eine Mischung aus Jazz, Elementen der klassischen Klaviermusik und traditioneller aserbaidschanischer Improvisationsmusik Mugam, einem musikalischen Modalsystem, das Intervalle, Melodieführung und Rhythmus bestimmt.
Als Kind lebte Vaqif Mustafazadə zusammen mit seiner Mutter, der Klavierlehrerin Ziver Khanum, in Baku; in der Zeit zwischen dem Ende des Zweiten Weltkriegs (1945) und dem Tod Josef Stalins (1953) war Jazz in Aserbaidschan verboten; sogar das Spielen von Saxophon war nicht erlaubt; durch den Radiosender BBC sowie später durch einige Spielfilme kommt der Junge mit Jazzmusik in Berührung, er merkte sich die Melodien und spielte sie nach. Daneben erhielt er eine klassische Pianistenausbildung. 1957 sollte er an der Musikschule ein Konzert geben, das auch einige kurze Jazzkompositionen enthielt; das Konzert wurde, trotz der graduellen Öffnung gegenüber dem Westen nach Stalins Tod, verboten.
Die von Mustafazadə entwickelte musikalische Stilrichtung ist eine Mischung aus Jazz, Elementen der klassischen Klaviermusik und traditioneller aserbaidschanischer Improvisationsmusik Mugam, einem musikalischen Modalsystem, das Intervalle, Melodieführung und Rhythmus bestimmt.
Als Kind lebte Vaqif Mustafazadə zusammen mit seiner Mutter, der Klavierlehrerin Ziver Khanum, in Baku; in der Zeit zwischen dem Ende des Zweiten Weltkriegs (1945) und dem Tod Josef Stalins (1953) war Jazz in Aserbaidschan verboten; sogar das Spielen von Saxophon war nicht erlaubt; durch den Radiosender BBC sowie später durch einige Spielfilme kommt der Junge mit Jazzmusik in Berührung, er merkte sich die Melodien und spielte sie nach. Daneben erhielt er eine klassische Pianistenausbildung. 1957 sollte er an der Musikschule ein Konzert geben, das auch einige kurze Jazzkompositionen enthielt; das Konzert wurde, trotz der graduellen Öffnung gegenüber dem Westen nach Stalins Tod, verboten.
Seine Eltern waren nicht vermögend, aber darauf bedacht, ihrem Sohn eine gute Ausbildung zu ermöglichen. Nach dem Umzug nach Neapel gaben sie ihn auf eine freie Schule, die mit einem der Klöster der Stadt verbunden war. Der Organist des Klosters, Padre Polcano, der die Intelligenz des Jungen bemerkt hatte, unterrichtete ihn in den Grundelementen der Musik sowie der alten und modernen Literatur des Landes. Seinem Einfluss verdankte Cimarosa den freien Zugang zum Konservatorium von Santa Maria di Loreto, wo er elf Jahre blieb und hauptsächlich die großen Meister der alten italienischen Schule studierte. Niccolò Piccinni, Antonio Sacchini und andere Musiker von Rang waren unter seinen Lehrern.
Im Alter von zwanzig Jahren begann Cimarosa seine Karriere als Komponist mit der Opera buffaLe stravaganze del conte, die 1772 am Teatro del Fiorentini in Neapel uraufgeführt wurde. Das Werk bestand aus nur zwei Akten, weshalb zur Ergänzung der Einakter Le pazzie di Stelladaura e di Zoroastro angehängt wurde, eine Farce voller Humor und Überspanntheiten. 1774 wurde er nach Rom eingeladen, um eine Oper für die kommende Saison zu schreiben; daraufhin komponierte er die Opera buffa L’italiana in Londra, die ihn über Neapel hinaus bekannt und berühmt machte.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Domenico_Cimarosa
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Seine Eltern waren nicht vermögend, aber darauf bedacht, ihrem Sohn eine gute Ausbildung zu ermöglichen. Nach dem Umzug nach Neapel gaben sie ihn auf eine freie Schule, die mit einem der Klöster der Stadt verbunden war. Der Organist des Klosters, Padre Polcano, der die Intelligenz des Jungen bemerkt hatte, unterrichtete ihn in den Grundelementen der Musik sowie der alten und modernen Literatur des Landes. Seinem Einfluss verdankte Cimarosa den freien Zugang zum Konservatorium von Santa Maria di Loreto, wo er elf Jahre blieb und hauptsächlich die großen Meister der alten italienischen Schule studierte. Niccolò Piccinni, Antonio Sacchini und andere Musiker von Rang waren unter seinen Lehrern.
Im Alter von zwanzig Jahren begann Cimarosa seine Karriere als Komponist mit der Opera buffaLe stravaganze del conte, die 1772 am Teatro del Fiorentini in Neapel uraufgeführt wurde. Das Werk bestand aus nur zwei Akten, weshalb zur Ergänzung der Einakter Le pazzie di Stelladaura e di Zoroastro angehängt wurde, eine Farce voller Humor und Überspanntheiten. 1774 wurde er nach Rom eingeladen, um eine Oper für die kommende Saison zu schreiben; daraufhin komponierte er die Opera buffa L’italiana in Londra, die ihn über Neapel hinaus bekannt und berühmt machte.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Domenico_Cimarosa
Philipp Wolfrum war ein Sohn des Kantors und Lehrers Johann Heinrich Wolfrum. Sein Bruder war der Organist und Komponist Karl Wolfrum. Bereits in jungen Jahren erlernte er das Orgelspiel und vertrat seinen Vater bereits als Neunjähriger an der Orgel. Mit dem Ziel, Lehrer und Organist zu werden, durchlief er das Königliche Lehrerseminar in Altdorf bei Nürnberg. Nach seinem Abschluss im Jahr 1872 wirkte er zunächst als Hauslehrer und ging dann als Hilfslehrer an das Königliche Lehrerseminar zu Bamberg. Durch ein Stipendium wurde es ihm möglich, 1876 ein Studium an der Königlich Bayerischen Musikschule in München aufzunehmen. Dort studierte er Orgel und Komposition bei Joseph Rheinberger, Klavier bei dem Liszt-Schüler Karl Bärmann und Chorgesang und Dirigieren bei Franz Wüllner.
Nach seinem Absolutorium kehrte er 1878 nach Bamberg zurück und war Dirigent, Solist und Komponist. Schon bald wurde er als „Seele unseres gesamten Musiklebens dahier“ bezeichnet.[1] Im Jahr 1884 wurde er von der Universität Heidelberg als Hilfslehrer für Musik an das theologische Seminar berufen. Hier richtete er erstmals eine umfassende kirchenmusikalische Ausbildung für die Theologen Badens ein und initiierte ein aktives öffentliches Musikleben in der Stadt.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Philipp_Wolfrum
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Philipp Wolfrum war ein Sohn des Kantors und Lehrers Johann Heinrich Wolfrum. Sein Bruder war der Organist und Komponist Karl Wolfrum. Bereits in jungen Jahren erlernte er das Orgelspiel und vertrat seinen Vater bereits als Neunjähriger an der Orgel. Mit dem Ziel, Lehrer und Organist zu werden, durchlief er das Königliche Lehrerseminar in Altdorf bei Nürnberg. Nach seinem Abschluss im Jahr 1872 wirkte er zunächst als Hauslehrer und ging dann als Hilfslehrer an das Königliche Lehrerseminar zu Bamberg. Durch ein Stipendium wurde es ihm möglich, 1876 ein Studium an der Königlich Bayerischen Musikschule in München aufzunehmen. Dort studierte er Orgel und Komposition bei Joseph Rheinberger, Klavier bei dem Liszt-Schüler Karl Bärmann und Chorgesang und Dirigieren bei Franz Wüllner.
Nach seinem Absolutorium kehrte er 1878 nach Bamberg zurück und war Dirigent, Solist und Komponist. Schon bald wurde er als „Seele unseres gesamten Musiklebens dahier“ bezeichnet.[1] Im Jahr 1884 wurde er von der Universität Heidelberg als Hilfslehrer für Musik an das theologische Seminar berufen. Hier richtete er erstmals eine umfassende kirchenmusikalische Ausbildung für die Theologen Badens ein und initiierte ein aktives öffentliches Musikleben in der Stadt.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Philipp_Wolfrum
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Fiedler war Sohn eines aus Österreich stammenden Violinisten, der im Boston Symphony Orchestra spielte. Ab 1909 studierte er in Berlin bei Willy Heß Violine. 1915 wurde er selbst Violinist beim Boston Symphony Orchestra.
Fiedler nahm mit dem Boston Pops Orchestra zahlreiche, sehr erfolgreiche Schallplatten auf, zumeist leichte Klassik und traditionelle US-amerikanische Volksmusik, aber auch sinfonische Arrangements beliebter Musicals oder Filmmusiken. Meist handelte es sich dabei um Zusammenstellungen. Zu den seltenen Fällen einer Gesamtaufnahme gehörte die Einspielung von Ernest Golds Filmmusik zu Stanley Kramers Literaturverfilmung Das Narrenschiff (1965).
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Arthur_Fiedler
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Fiedler war Sohn eines aus Österreich stammenden Violinisten, der im Boston Symphony Orchestra spielte. Ab 1909 studierte er in Berlin bei Willy Heß Violine. 1915 wurde er selbst Violinist beim Boston Symphony Orchestra.
Fiedler nahm mit dem Boston Pops Orchestra zahlreiche, sehr erfolgreiche Schallplatten auf, zumeist leichte Klassik und traditionelle US-amerikanische Volksmusik, aber auch sinfonische Arrangements beliebter Musicals oder Filmmusiken. Meist handelte es sich dabei um Zusammenstellungen. Zu den seltenen Fällen einer Gesamtaufnahme gehörte die Einspielung von Ernest Golds Filmmusik zu Stanley Kramers Literaturverfilmung Das Narrenschiff (1965).
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Arthur_Fiedler
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Louis Moreau Gottschalks Vater – geboren in London – war ein sephardischer Jude. Anfang der 1820er-Jahre migrierte er nach New Orleans und wurde dort ein erfolgreicher Kaufmann.[2] Die Großeltern mütterlicherseits lebten auf Santo Domingo, wo der Großvater als Gouverneur tätig war. Während der Sklavenaufstände zogen Familienangehörige um 1800 nach New Orleans. Weil die mütterlichen Vorfahren aus Frankreich stammten, wurde in der Familie Französisch gesprochen.[3]
Louis Moreau Gottschalk – erstes Kind von insgesamt sieben Kindern – wuchs im Stadtteil Old New Orleans auf, wo er die Musik der Kreolen und der Afroamerikaner kennenlernte. Seit 1842 studierte er in Paris Komposition bei Fromental Halévy und Hector Berlioz sowie Klavier bei Camille Stamaty. Er war befreundet mit Georges Bizet und Camille Saint-Saëns. In das Pariser Konservatorium wurde er als US-amerikanischer Staatsbürger nicht aufgenommen. Sieben Jahre nach seiner Ablehnung nahm dasselbe Konservatorium den ehemaligen Bewerber jedoch als Mitglied in die Jury für die Aufnahmeprüfungen auf. 1845 war Chopin bei Gottschalks Konzert im Salle Pleyel anwesend.[1]
Louis Moreau Gottschalks Vater – geboren in London – war ein sephardischer Jude. Anfang der 1820er-Jahre migrierte er nach New Orleans und wurde dort ein erfolgreicher Kaufmann.[2] Die Großeltern mütterlicherseits lebten auf Santo Domingo, wo der Großvater als Gouverneur tätig war. Während der Sklavenaufstände zogen Familienangehörige um 1800 nach New Orleans. Weil die mütterlichen Vorfahren aus Frankreich stammten, wurde in der Familie Französisch gesprochen.[3]
Louis Moreau Gottschalk – erstes Kind von insgesamt sieben Kindern – wuchs im Stadtteil Old New Orleans auf, wo er die Musik der Kreolen und der Afroamerikaner kennenlernte. Seit 1842 studierte er in Paris Komposition bei Fromental Halévy und Hector Berlioz sowie Klavier bei Camille Stamaty. Er war befreundet mit Georges Bizet und Camille Saint-Saëns. In das Pariser Konservatorium wurde er als US-amerikanischer Staatsbürger nicht aufgenommen. Sieben Jahre nach seiner Ablehnung nahm dasselbe Konservatorium den ehemaligen Bewerber jedoch als Mitglied in die Jury für die Aufnahmeprüfungen auf. 1845 war Chopin bei Gottschalks Konzert im Salle Pleyel anwesend.[1]
In seinen Kompositionen verfolgte er eine konservative Linie, die sich dem europäischen romantischen Stil zuschreiben lässt.
Parker wurde in Auburndale, Massachusetts geboren. Seinen ersten Musikunterricht erhielt er von seiner Mutter, ehe er später in Boston studierte. Zu seinen Lehrern zählten George Chadwick, Stephen Albert Emery und John Orth.[1] Im Jahre 1881 ging er nach München um bei Joseph Rheinberger zu studieren. Deutschland war ein beliebtes Reiseziel für US-amerikanische Studenten. So folgten ihm Arthur Whiting und H. H. Huss nach und studierten ebenfalls bei Rheinberger. In München komponierte Parker seine ersten wichtigen Werke (eine Symphonie und eine „dramatische“ Kantate)
Im Jahre 1885 kehrte er nach Amerika zurück. Unmittelbar nach seiner Rückkehr erhielt Parker eine Professur an der Cathedral School of St. Paul in Garden City, Long Island. Von 1888 bis 1893 wirkte er als Organist an der Trinity Church in New York City. Im selben Jahr wurde er an die Trinity Church Boston berufen und behielt dieses Amt bis 1901.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Horatio_Parker
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In seinen Kompositionen verfolgte er eine konservative Linie, die sich dem europäischen romantischen Stil zuschreiben lässt.
Parker wurde in Auburndale, Massachusetts geboren. Seinen ersten Musikunterricht erhielt er von seiner Mutter, ehe er später in Boston studierte. Zu seinen Lehrern zählten George Chadwick, Stephen Albert Emery und John Orth.[1] Im Jahre 1881 ging er nach München um bei Joseph Rheinberger zu studieren. Deutschland war ein beliebtes Reiseziel für US-amerikanische Studenten. So folgten ihm Arthur Whiting und H. H. Huss nach und studierten ebenfalls bei Rheinberger. In München komponierte Parker seine ersten wichtigen Werke (eine Symphonie und eine „dramatische“ Kantate)
Im Jahre 1885 kehrte er nach Amerika zurück. Unmittelbar nach seiner Rückkehr erhielt Parker eine Professur an der Cathedral School of St. Paul in Garden City, Long Island. Von 1888 bis 1893 wirkte er als Organist an der Trinity Church in New York City. Im selben Jahr wurde er an die Trinity Church Boston berufen und behielt dieses Amt bis 1901.
Weiteres kann man hier lesen: https://de.wikipedia.org/wiki/Horatio_Parker
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Asma war ein Sohn des Musikers Johannes Frederik Asma. Er sammelte erste Erfahrungen als Organist an der reformierten Kirche in Den Helder und war von 1928 bis 1937 Orgelschüler bei Jan Zwart. Später studierte er am Königlichen Konservatorium in Den Haag unter der Leitung von Jan Koetsier Klavier und Komposition bei Hugo van Dalen sowie Orchester- und Chorleitung bei Eduard Flipse. 1950/51 nahm er an bei Paul van Kempen an einem Meisterkurs für Dirigenten teil.
1933 wurde Asma Organist an der Hooglandse Kerk in Leiden, 1943 an der Evangelisch-lutherischen Kirche (Burgwalkerk) in Den Haag. 1965 verzog er nach Maassluis und war dort Organist an der Groote Kerk. Asma gab Orgelkonzerte im In- und Ausland und spielte zahlreiche Schallplatten ein. Für seinen Einsatz für die französische Orgelmusik der Romantik erhielt er zweimal (1964 und 1975) die Auszeichnung Arts, Sciences, Lettres der Académie française.
https://de.wikipedia.org/wiki/Feike_Asma
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Asma war ein Sohn des Musikers Johannes Frederik Asma. Er sammelte erste Erfahrungen als Organist an der reformierten Kirche in Den Helder und war von 1928 bis 1937 Orgelschüler bei Jan Zwart. Später studierte er am Königlichen Konservatorium in Den Haag unter der Leitung von Jan Koetsier Klavier und Komposition bei Hugo van Dalen sowie Orchester- und Chorleitung bei Eduard Flipse. 1950/51 nahm er an bei Paul van Kempen an einem Meisterkurs für Dirigenten teil.
1933 wurde Asma Organist an der Hooglandse Kerk in Leiden, 1943 an der Evangelisch-lutherischen Kirche (Burgwalkerk) in Den Haag. 1965 verzog er nach Maassluis und war dort Organist an der Groote Kerk. Asma gab Orgelkonzerte im In- und Ausland und spielte zahlreiche Schallplatten ein. Für seinen Einsatz für die französische Orgelmusik der Romantik erhielt er zweimal (1964 und 1975) die Auszeichnung Arts, Sciences, Lettres der Académie française. https://de.wikipedia.org/wiki/Feike_Asma
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